3つ数えて目をつぶれ

映画と本の感想のみを綴ります。特に映画。ご連絡はhoto5now★yahoo.co.jp(お手数ですが★を@に変えてください)まで。

『LION/ライオン 25年目のただいま』

 インドのスラム街で暮らす5歳のサルー(サニー・パワール)は、兄の仕事先についていった時、停車していた電車内に入り込んで眠ってしまい、そのまま遠くの地へと運ばれ、迷子になった。家族と生き別れ孤児院に保護された彼は、オーストラリアへ養子に出される。そして25年後、養父母の元で成人し順調な人生を歩んで生きたサルー(デヴ・パテル)は、ふとしたきっかけで生母と兄のことを思い出す。わずかな手がかりからGoogle Earthを使って故郷を特定しようと試み始める。監督はガース・デイヴィス。
 予告編等事前情報からは、なぜこの題名なのかはわからない。本編を見て題名の意味がわかると、ああそうか!と深く納得する。サルーが自分の人生を発見し直すまでの、長い旅の物語だったのかと。もちろん、養父母の元で過ごした日々も本物の彼の人生だ。しかし、人生の一部であって、養子になる前の幼い頃の人生については、裏付けが取れず曖昧なままだ。忘れたままなら、それはそれで穏やかな日々だったのかもしれないが、インドの菓子を目にしたことで、断片的な記憶がよみがえり、実母と兄を放っておいたという罪悪感に苦しむことに苦しむようになる。同時に、実母を求めることは養父母を裏切ることになるのではと、二重の罪悪感に駆られるのだ。故郷を探そうとするサルーの熱意は唐突に生じるようにも、少々行き過ぎているようにも見える。実際、日常生活に支障をきたし、恋人との関係も破綻してしまう。しかしサルーにとってはそのくらい、人生の一部が失われていることは苦しいことなのだろう。
 サルーは大きな不運によって「迷子」になったが、運の良さと機転とで生き延びる。本作、サルーの幼少時代に結構時間を割いているのが意外だったのだが、まだ幼い彼がどのような道筋を辿ってきたか垣間見ることで、本当に運が良かったのだと痛感する。あからさまには描かれないが、「ルート分岐点」でもし違う道を選んだらこうなっていたかも、という姿が、他の子供達の姿を借りて現れる。あっさり描いているようでいて、闇の深さが垣間見られるのだ。
 そういう「もしも」を一番強く感じたのは、養子先での義兄・マントッシュ(ディヴィアン・ラドワ)の存在だ。マントッシュはサルーより年長だが、養子に来たのは彼の後。順調に養父母とオーストラリアの生活に馴染んだサルーとは異なり、マントッシュは養父母との関係はぎこちなく、成長してからも土地に馴染めず、自分の生活を立て直すことができずにいる(子供の頃から精神的な問題があるという描写はされている)。サルーよりもむしろ、マントッシュの人生はどんなものだったのかという方が気になった。彼にとって、養子に出されたことは果たして幸運だったのだろうか。彼は、サルーが進んだかもしれないもう一つの人生なのだ。

『ラビング 愛と言う名前の二人』

 1958年、バージニア州で暮らす大工のリチャード・ラビング(ジョエル・エドガートン)は、恋人のミルドレッド(ルース・ネッガ)の妊娠を機に結婚を決意する。しかしバージニア州では異人種間の結婚は法律で禁止されていた。密かにワシントンDCで結婚し地元に戻った2人だが、ある夜保安官に逮捕され、離婚するか故郷を捨て二度と戻らないかの選択を迫られる。一度は故郷を去ることに同意した2人だが、裁判の判決が不当であると申し立てる。監督・脚本はジェフ・ニコルズ。
 とても良かった。全体的に非常に抑制が効いており、見せすぎない、説明しすぎない、盛り上げすぎないという作劇に徹している。いつ、どこを舞台としているのかも、字幕等での説明はなく、登場人物のセリフと劇中で映し出される世相からなんとなくわかってくるといった塩梅。これは映画を見る側を信頼してくれているなぁ。情緒面も、ラビング夫婦がどちらかと大人しい人で感情をあからさまに出すシーンが少ないというのもあるのだが、これ見よがしな煽りがない。とても品のいい演出だと思う。
 結婚は違法とされたラビング夫婦に対する処遇は、今見ると明らかに不当だ。しかし、当時のバージニアでは異人種間の結婚は違法であり、その結婚は倫理的にも間違っている、異人種間の子供を増やすことも罪だと考えられていた。リチャードもミルドレッドも、自分達の結婚、自分達が愛し合っていることが間違っているとされることは、おかしいと声をあげる。リチャードは黒人の友人に、なぜ同棲では駄目なんだと問われる。また、DCでひっそりと暮らすという道もあるだろう。しかし、おかしいと思ったことにはおかしいと誰かが声を上げないと、世の中は変わらない。ラビング夫妻は元々、人権運動や政治活動をしていたわけではなく、裁判のやり方にも疎かった。それでも、自分達が愛し合っていることが間違っているとはどうしても思えない、その結果生まれた子供達が間違った存在のはずはないという一心で、10年間裁判で戦い続ける。作中ではあからさまには描かれないものの、2人に危害を加えようとする人たちも少なくない。そういう状態で10年間耐えるというのは、お互いによっぽど信頼感がないと乗りきれなかっただろう。
 2人ともそんなに口数は多くないが、ミルドレッドの方が時に思い切った行動を起こし、リチャードはそれについていく。リチャードは、当時の白人男性としては割と例外的な人だったのではないかと思うが、人種差別意識は希薄だし、女性に対する態度も強権的ではない。彼は妻のすること全てを理解しているわけではない(当時のアメリカで黒人であるというのがどういうことかは、黒人のコミュニティの中にいたとしても、やはり本当にはわからないのだと思う)が、彼女のことを尊重し、肯定し続ける。彼にとっての「絶対守る」という行為がどういうものだったのか、本作全編を使って描かれているようにも思った。

『ラ・ラ・ランド』

 女優を夢見てハリウッドに来たもののオーディションには落ちてばかりのミア(エマ・ストーン)。ある日、ジャズピアニストのセバスチャン(ライアン・ゴズリング)と出会う。セバスチャンはジャズを聴かせる店を持つという夢を持っており、2人は恋に落ちる。監督はデイミアン・チャゼル。第89回アカデミー賞では監督賞、主演女優賞等6部門で受賞。
 冒頭の高速道路を使ったレビューと、クライマックスでの走馬灯的ミュージカルシーンがカラフルで美しく、特に高速道路編はよくここで撮ったな!(というか撮影許可を取れたな!)と感心した。あっあんな遠くまで人が踊っている!というだけで何だか感銘を受ける。ほぼ1ショットに見えるような長回し風撮影をしているので、相当大変だったと思う。カメラと人物が近すぎ、かつカメラの動きが速すぎる(全般的に、カメラをここまで動かせるぞ!ということが楽しくてつい動かしすぎてる感じ)きらいがあり、ダンスする肉体のダイナミックさが削がれているのが残念ではあるのだが、これをやりたかったんだろうなぁと納得はさせる。
 前半は恋する2人の気持ちの浮き立ち(それこそ宙を舞ってしまうくらいの)や、それぞれの夢に向かう情熱を反映したかのような色鮮やかでキラキラした映像。色の調整は徹底しており、衣装と背景となる室内や建物の壁の色のコントラストが美しい。しかし、2人がそれぞれの夢に行き詰まりを感じ、2人の関係も変化していくあたりから、色彩は褪せて、ある意味地に足の着いたものになっていく。作品世界の色合いが2人の心情とリンクしているのだ。後半は華やかなミュージカルシーンがなくてつまらないという感想も散見されたが、おそらくミアとセバスチャンにとっての世界が「つまらない」ものになってしまっているのだと思う。一旦「つまらなく」なったからこそ、世界はーつまらないかもしれない、しかし夢を見させてくれというミアの巻き返しが感動的なのだろう。その一方で全てがミア、あるいはセバスチャンが見ていた夢なんじゃないかという気もしてしまうが。
 楽しい作品ではあるのだが、手放しで褒められない所も。監督の前作『セッション』を見た時も思ったのだが、音楽がとても好きな人ではあるのだろうが、その割に、えっ本当に音楽好きなの?と思わせる所がある。本作では、セバスチャンをバンドに引き入れるミュージシャン・キースのステージには首をかしげた。クラシカルなジャズを愛するセバスチャンは、新しいものをどんどん取り入れ大衆受けを狙うキースのやり方が気に入らない。彼のライブは、いかにもウケそうな安っぽい歌詞のポップスとやたらと出てくるダンサーという演出なのだが、ちょっと悪意を感じた。元々ジャズミュージシャンであるキースはセバスチャンと同じくジャズの素養は豊かで、おそらくセバスチャンより才能もある。ただ、より多くのリスナーを獲得する為の試行錯誤を辞さない。主義がないのではなく、逆にセバスチャンよりよっぽど腹をくくっていると言えるだろう。それをこんな安っぽい見せ方をするのは、音楽を生業とする人たち全体だけでなく、それを聴いて喜ぶオーディエンスのこともバカにしていることにならないか(こういう演出にも関わらずちゃんと仕事したジョン・レジェンドはえらいよ・・・)。キースのライブのダサさは、セバスチャンの目にはこう映っているってことなのかもしれないが、それにしても独りよがりではないか。バイトで「Take on me」を演奏する姿がものすごく嫌そうなのも、彼の趣味じゃないとは言え、「Take on me」は楽しい曲なんだよ!と文句言いたくなった(なので、このシーンでのミアの振る舞いは適切だと思う)。
 また、これは作品のコンセプト上しょうがないのかもしれないし、狙った部分なのかもしれないが、ミュージカル映画というよりもミュージカル映画「ごっこ」感が拭えなかった。オマージュだらけなことの弊害か。

『ラブ&マーシー 終わらないメロディー』

 1960年代、人気絶頂だったビーチ・ボーイズ。作曲の大半を手掛けるリーダーのブライアン・ウィルソン(ポール・ダノ)は、斬新なサウンドを追い求めるが、メンバーからは理解されず、プレッシャーで精神のバランスを崩していく。そして20年後の1980年代。長らく低迷中のブライアン(ジョン・キューザック)は、車のディーラーをしているメリンダ(エリザベス・バンクス)と出会う。ブライアン・ウィルソン本人公認の、ブライアン・ウィルソンの物語。監督はビル・ポーラッド。
 ブライアンと父親の関係が、さほど突っ込んで描いているわけではないが印象に残る。父親が登場する場面は短いのだが、非常に強権的で、息子たちは大人になってからも父親を恐れている。また、ビーチ・ボーイズの音楽性にも口出ししたり、彼らのマネージメントをしていたり(途中で解雇されたようだが)で、とにかく過干渉だし、楽曲の著作権を勝手に売っちゃったりと、ちょっと無茶苦茶なのだ。抗議すればいいのにと思うが、子供の頃から父親に暴力を振るわれてきた息子たちにはそれが(能力的にも法的にも出来るはずなのに)できない。更にブライアンは、父親が去った後も、やはり自分と自分の音楽を支配しようとするカウンセラーと関わってしまう。カウンセラーのやり方は父親に輪をかけて無茶苦茶なのだが、やはりそこから逃れられない。支配されることも習慣になるのかとちょっとぞっとした。ここからブライアンを引っ張り出そうとしたメリンダは、相当ガッツのある人だったのではと思う。
 ビーチ・ボーイズのアルバム「ペット・サウンズ」はリリース当時、不人気だったそうだが、作中でもそのあたりの様子は描かれている。ブライアンの考えるサ ウンドは、一部のスタジオミュージシャンからは歓迎され、レコーディングスタジオは祝祭感に満ちている。しかし、ビーチ・ボーイズのメンバーはその祝祭の 中に入れない。音楽との個々との関係の深さの違いが、ここでぱっと見えてしまい、才能のあるなしというのは残酷なものだなとしみじみ感じた。メンバー側か らしてみたら、自分達にはさっぱりわからないもので盛り上がっているし自分達は不要みたいに見えかねないしで辛いだろうが、ブライアンにとっても、自分が やりたいことが一番身近な人たちに理解されないというのは辛いだろう。時代を先取りしすぎたというのもあるだろうが、そもそもバンドに向いていない人だっ たんじゃないかという気もしてくる。自分の持っている音楽のビジョンが明確すぎ、豊富すぎるというのも、それはそれで辛いのかなと思った。他人が入る余地がないんだもんなぁ。

『ラン・オールナイト』

 ジミー・コンロン(リーアム・ニーソン)は、ブルックリンを縄張りとするマフィア、ショーン・マグワイア(エド・ハリス)の元で働く殺し屋だった。現役引退し、罪悪感の為に酒びたりの日々を過ごすジミーだったが、犯罪に巻き込まれ殺されそうになった息子マイク(ジョエル・キナマン)を助ける為に、襲ってきた男を殺してしまう。その男はショーンの息子ダニー(ボイド・ホルブルック)だった。ショーンは復讐の為にジミーとマイクに追手をかける。監督はジャウム・コレット=セラ。
 いつものリーアム・ニーソン主演のアクション映画かなと思っていたし、実際そうではあるのだが、妙に陰影が深い。脚本のブラッド・インゲルスビーは『ファーナス 決別の朝』を手がけた人で、だとするとこの陰影の深さも頷ける。あるシーンがまんま『ファーナス~』のクライマックスと同じシチュエーションだったのだが、こういう絵が好きなのかな。インゲルスビーは、間違っているかもしれないがこうやるほかない、という人のドラマが好きなんだろうか。
 この人はこういう人、という見せ方がくどくなく端的で、手際がいい。ジミーがバーで酔っぱらっているあたりから、パーティーでサンタ役をする羽目になるあたりで、彼が自滅的になっており自尊心もなくしかけていることが伝わる。また、マイクがボクシングジムで少年を指導する様を見るだけで、この人は(ジミーとは対称的に)ちゃんとした人なんだなとわかる。
 本作の陰影をより深めているのは、ジミーとショーンの関係だ。2人は長年の親友であり、ジミーはショーンの為に殺しを続けてきた。酒びたりになったジミーを、ショーンだけは軽んじない。2人は「一線を越える時は一緒だ」と言うが、この言葉が2度目に言われる時にはその意味合いが変わってくる。その変化が痛切だった。どちらにしろ一緒ではあるのだが、一緒だと言うこと自体がやりきれない。
 2人の関係の変化が、どちら側からも息子との関係によるものだというところが面白い。ジミーは仕事の為に家族と距離を置き続け、マイクにとっては自分たちを捨てた父親だ。親子関係は少なくともマイク側からは崩壊しているのだが、ジミーは父親として、マイクの為に一線を越える。一方ショーンの息子ダニーはドラ息子であり、ショーンも息子の才覚は見限っているようだ。しかし出来の悪い息子であっても、息子は息子で、愛情を否定できない。ショーンもまた、息子の為に一線を越えるのだ。ただ、ジミーは息子との関係を取り戻すべく行動するが、ショーンは息子との関係をもはやどうすることもできない。そこがまた苦い。

『ラスト・ファイブ・イヤーズ』

 ブロードウェイを夢見る女優志望のキャシー(アナ・ケンドリック)と小説家志望の学生ジェイミー(ジェレミー・ジョーダン)は恋に落ち、やがて結婚するが、いつのころからか心がすれ違っていく。監督はリチャード・ラフラヴェネーズ。2001年にオフブロードウェイでヒットしたミュージカルの映画化だそうだ。一組の男女の5年間を、女性側からは別れから出会いへとさかのぼり、男性側からは出会いから別れへと順を追って描いていくという、面白い構成。
 構成に妙ありの作品なのだろうが、舞台版は、キャシーのパート(現在→過去)とジェイミーのパート(過去→現在)とがビジュアルとしてもっと明白に分かれていたんじゃないかなという気がする。基本的に、そのシーンでメインで歌っている人視点なんだろうということはわかるが、映画の中ではシームレスに視点(歌い手)移動するシーンがいくつかあるので、今どっち側の話だったっけ?と混乱しそうになった。その混乱しそうになる部分が、こういうこと以前もあったし今もあったよね、というような、2人の関係の見せ方における効果になっていればいいのだが、そこまでの作意はなさそう。逆向きの時間軸で平行して描くという構成が、あまり生きていないように思った。キャシーの過去とジェイミーの今がリンクし、あの時のこの言葉が全く違った意味合いで使われるというような、効果的な演出もあったが、そこがすごく印象に残ったということは、他はあんまりうまくいっていないということだよな・・・。
 2人の気持ちがすれ違って行くのには、決定的な理由があるわけではなく、時間が過ぎるうちになんだかそうなっていまった、という面が強い。ジェイミーが売れっ子になるのにキャシーはうだつが上がらないまま、というギャップが大きな理由と言えるのかもしれないが、じゃあ仮にキャシーもスターになっていたら結婚生活は円満に続いていたのか?というと、そうとも言えない気がする。2人とも主役になりたいタイプの人だから、いつかはすれ違っていたんじゃないかなと。
 ところで、ジェイミーが自分はユダヤ系だがそうではないキャシーに恋をした、ということを度々言うので、後々の伏線なのかと思っていたらそんなことなかった。どういうニュアンスで言ってたのかな。

『ラブバトル』

 父親の葬儀のために田舎の実家に帰ってきた女性(サラ・ウェレスティエ)は。かつて微妙な関係にあった男性(ジェームス・ティエレ)と再会する。家族との軋轢に苦しむ彼女は、彼に感情をぶつけ、肉弾戦にも似た奇妙な関係が始まる。監督はジャック・ドワイヨン。ポール・セザンヌの名画「愛の争い」に着想を得た作品だそうだ。
 冒頭とラストに、ドビュッシーのピアノ曲「子供の領分」のなかの「ゴリウォーグのケークウォーク」が流れるが、これが作品に軽快さを与えていた。本編中は、音楽はほぼ流れないので、いいアクセントになっている。セザンヌの絵のモチーフでもあるだろう、田舎の風景も魅力的。しかし本作は何よりもまず、人間の肉体が中心にある作品だ。
 主演の俳優2人のほぼ2人芝居と言っていいような内容だが、2人の俳優のスキルが大変高いことがすごくよくわかる。言葉と視線や表情のやりとりの微妙な表現はもちろんだが、取っ組み合うシーンで男女は「格闘」していくのだが、下手な俳優同士だったらどっちかが怪我してるんじゃないかなと思うような絡みの連続。しかも1カットがそこそこ長い。いわゆるアクション映画のようなエンターテイメントとして見せる用の格闘ではなく、本当の喧嘩のように見えないとならない、かつ、お互いを深刻に痛めつけないぎりぎりの線(男女は憎しみに駆られて攻撃しているわけではなく、「格闘しよう」という了解に基づいて組み合っているので)に見えなくてはならないという、かなり大変な演技だったと思う。2人の動きががっちりかみ合っており、格闘であるが、時にコンテンポラリーダンスのようにも見えた。演技に限らずいい動きにはリズムがあって、自然とダンスのように見えてくることがある。人間の身体って面白いなぁと、2人の関係とかストーリー的なものはとりあえず置いておいて、単純にそう思うのだ。
 ただ、身体性にスポットを当てた作品だとすると、女性が家族との関係をこじらせているという設定や、男性との間に昔ひと悶着(未遂)あったことなど、余計な要素に見てくる。特に、女性側の父親との仲に葛藤がありそのはけ口として男性とぶつかり合いを、という流れが何か無理矢理っぽいなぁと思った。また、2人とも意外とよくしゃべる、かつ双方割と一方通行だ。噛み合わない会話の代替物としての格闘なのかもしれないけど、それ言葉でやりとりした方がいいんじゃない?って思っちゃう。セックスにたどり着く前段階(たどり着かない可能性も同時にある)としての肉体のぶつかり合いって側面もあるんだろうけど、燃費が悪い・・・。私が、こういうコミュニケーションのあり方をいまひとつ信用できないということもあるのかもしれない。


『ラブストーリーズ コナーの涙/エリナーの愛情』

 7年間共に暮らしたものの、幼い息子を失い別居したコナー・ラドロー(ジェームズ・マカボイ)とエリナー・リグビー(ジェシカ・チャステイン)。コナーはエリナーと共にやり直したいともがくが、エリナーはコナーから距離を置き、新しい生活を始めることを選ぶ。男女の別れとその後を、コナー目線から描いた『ラブストーリーズ コナーの涙』、エリナー目線から描いた『ラブストーリーズ エリナーの愛情』の2本から成る。監督はネッド・ベンソン。2本合わせて全体像が見えてくるので、感想は一つにまとめた。
 私はエリナー→コナーの順番で見たのだが、コナー→エリナーの順番で見た方がよかったかなと少々後悔した。同じ出来事を違った側面から見ているので、どちらが先という決まった順番はないのだが、コナーの方が出来事全体のアウトラインを時系列に沿って描いている。対してエリナーは彼女の主観により近いので、時系列も記憶にひっぱられて前後したりするし、何が起こったのかという具体的な説明もそんなにされない(徐々にわかってくるが)。そして何より、エリナーの方が映画としてフックがあって面白いんだよな(笑)。コナーの方は通り一遍の男女の別れって感じだった。通り一遍と見えて実は、という流れなら楽しめるけど、その逆だと、このくだりもう一回見ないとダメ・・・?といった、少し億劫な気分になる。
 過去に一緒に体験した出来事であっても、コナーとエリナーでは、セリフやシチュエーションが微妙に違っている。人は自分本位に記憶する、その時の自分にとってインパクトのある部分が記憶されるんだなと妙に感心した。2人の間のこまかいズレが、2人の性格の違い、距離感の変化を感じさせた。
 ただ、こういったズレは何も男女に限ったことではなく、人間同士なら誰との間でも生じることだろう。子供の死がきっかけでコナーとエリナーはすれ違ってしまうが、元々あったズレが、大きな出来事の影響で増幅されたに過ぎないのかもしれない。コナーが鈍感であるとか、エリナーが身勝手だとかと感じる人もいるだろうが、問題はそこではなくて、そもそも他人同士なんだということなんだろう。例え愛し合う2人であっても人と人とが完璧に理解し合うことはない、という当たり前のことが描かれているのだ。
 とは言え、本作のトーンはそんなに悲観的ではない。他人同士だから理解しようとしたり歩み寄ったりするということが、ちゃんと前提にあるのだ。コナーとエリナーの間だけではなく、エリナーの家族や教師、コナーの友人たちの存在に、人間関係に対する肯定感があったと思う。どの人も完璧ではないが、エリナーやコナーに、その人なりのやり方で手を差し伸べようとするのだ。特にエリナーの両親の在り方にはほっとする。

『楽園追放 Expelled from Paradise』

 人類の多くが地上から離れ、「ディーヴァ」と呼ばれる電脳空間で生身の体を持たずに暮らす2400年の地球。何者かが地上からディーバにハッキングを仕掛け、謎のメッセージを送ってきた。フロンティアセッターと名乗る犯人を捕らえる為、ディーヴァの捜査官アンジェラ(釘宮理恵)は、生身の身体(マテリアル・ボディ)を使って地上に降り、地上捜査官ディンゴ(三木眞一郎)と調査を開始する。監督は水島精二、脚本は虚淵玄。
 フル3DCGの長編アニメーションという前提条件で作られた作品なのだろうと思うが、3DCGと相性のいいロボット等はもちろん、いわゆる「アニメ」っぽい(セル画風の)キャラクターの演技、表情の作り方がここ数年で急激にこなれたなーと技術の進歩を実感した。TVアニメーションだと『蒼き鋼のアルペジオ』や『シドニアの騎士』が「アニメ」としてこなれた3DCGで、ここまできたかと感心したが、劇場用アニメーションでここまでこなれているのは初めて見たかもしれない(今まで見た劇場用フル3DCGアニメーションは、どちらかというとリアル寄りの造形だったので)。人間キャラクターについては、どうしてものっぺりした顔(かわいらしい系の顔)よりは彫の深い顔の方が見映えがする傾向はあるが、ちゃんと「アニメキャラ」感を維持している。なお、キャラクターデザインは妙に懐かしい(センスが90年代のアニメに近い感じがするのは私だけだろうか・・・)感じがしたが、あえてだろうか。
 ストーリーや世界設定は、かなりオーソドックス、悪く言ったらそんなに意外性のないSF。この監督、この脚本家だったら、もっとがちがちのハードSFやひねった展開にも対応できただろう。だが、今回はあえて直球、かつポジティブな作品を投げてきたなと思った。いつも人がばんばん死ぬ話を作っているわけじゃないよ、というのもあったかもしれないが、本作が東映アニメーションの長編作品だからというのもあるんじゃないかなと思った。東映の作品て、もちろん色々なタイトルがあるが、見ると元気が出るもの、みたいなイメージを培ってきた印象が(私は)ある。そこを崩したくなかったんじゃないかなと。オーソドックス、見様によってはアナクロだからこそぐっとくる部分というのもあると思う。



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