ふ : 3つ数えて目をつぶれ

ふ

6月7

『BLAME！』

　過去の「感染」により、人間が都市コントロール権を失い、無限に増殖し続ける階層都市。都市防衛システム「セーフガード」は、人間を不正な居住者と見なして排除するようになっていた。僅かに残った人間たちによる小さな集落が点在していたが、食料不足によって絶滅も間近と思われた。シボ（花澤香菜）は食料を探しに出た所をセーフガードに襲われるが、旅の男。霧亥（キリイ）（櫻井孝宏）に助けられる。霧亥はネット端末遺伝子を持つ人間を探し続けていた。原作は弐瓶勉の同名漫画、監督は瀬下寛之。製作はポリゴン・ピクチュアズ。
　ストーリーやキャラクター云々というよりも、ポリゴン・ピクチュアズのセルルック3DCG表現が今どういう地点にあるのか、という点で面白い作品だった。原作、監督、スタジオの組み合わせは『シドニアの騎士』と同じ。SFとしての世界設定やキャラクター造形は正直そんなに新鮮味のあるものではない。原作がかなり前に発表されたものだということもあるが、発表された当時でも、そんなに新しいっていう感じではなかったのではないかな･･･。ただ、王道と言えば王道、ベタと言えばベタなストーリーや設定が、本作の映像だと不思議と新鮮に見える。映像が「出来上がっている」というよりもまだ進化しそう、発展途上な伸びしろ感を感じさせるのも一因かもしれない（完成された商品としてそれはどうなんだという見方もあるが）。
　近年のポリゴン・ピクチュアズは、（技術面の素人から見ても）いわゆるアニメ的な「かわいい」「かっこいい」をセルルックの3DCGでやるにはどのあたりが落としどころなのか、ずっと試行錯誤し続けている気がする。『シドニアの騎士』と比較すると、本作の女性キャラクターは明らかに、セルルックの「アニメ」としてのかわいさをより獲得している。技術の進歩を目の当たりにしている感じ。また、ポリゴン・ピクチュアズ制作作品は、この原作・題材を映像化するにはどうするか、というよりも、自社が持っている技術は、どういった傾向・特質の題材・世界観で最も活かされるのか、という方向でのネタの選び方、作り方をしているように見える（実際は全然関係ないのかもしれないけど･･･）。一つのスタジオの作品を追っていく面白さを、今最も味あわせてくるスタジオではないだろうか。

5月15

『フリー・ファイヤー』

　とある倉庫に集まった男女。クリス（キリアン・マーフィー）とフランク（マイケル・スマイリー）が率いるグループは秘密裡に銃を入手しようとしており、ジャスティン（ブリー・ラーソン）とオード（アーミー・ハマー）が仲介に立ち、密売人のヴァーノン（シャールト・コプリー）と取引しようとしていたのだ。しかし話はこじれにこじれ、ついに銃撃戦にもつれこむ。監督はベン・ウィートリー。
　監督が『ハイ・ライズ』の人だと気付いてびっくりした。全然方向性違うよ！でもクールな美に徹した一応文芸作品的な『ハイ・ライズ』よりも、本作の方が性に合っているんじゃないかなという気がする。少なくとも、撮っている側も出ている側も楽しそうだ。一種の密室ものであり、閉鎖空間でばんばん銃を撃ちまくる、当然デスゲーム的になるというアクション映画でありサスペンス映画なのだが、登場人物全員が妙に間が抜けており、かつ脚本がわりと精緻ではない、というか大雑把な為に、ユルいアホっぽさが醸し出されている。とにもかくにもバカとは商売を（同じチームとしても相手チームとしても）するなよ！という教訓に満ちている。お前がいなければもっと話は早かったんだよ！と登場人物の一部も観客も思うに違いない。
　空間内の構造と位置説明（各人の位置関係の見せ方の演出）があまり上手くないので、お互いが今どういうふうに移動しているのか、銃弾の軌道がどうなったのか等、いまひとつわかりにくい。電話の登場の仕方やそれに対する登場人物たちの反応も、一定距離を移動させるイベントを発生させる為なんだろうけど、あんまり必要じゃなかったんじゃないかな･･･という気がしなくもない。そもそも、さっさと出口目指せよ！って話だろうしなぁ･･･。シチュエーション的に、いわゆるコンゲーム的な内容かな？と思う人もいると思うが、その部分には全く期待はできない。むしろ、とにかく銃を撃ちまくる、しかもかっこ悪く！という、バカバカしいシチュエーションの為の作品だろう。どの登場人物も、絶対にかっこよくしないぞ！という意気込みが窺えるので、この点は良かった。
　設定、脚本は大雑把でいわゆる「上手い」映画ではないのだが、映画「ぽさ」の出し方はツボを心得ているように思った。画面の雰囲気に何となく昔の「午後のロードショー」的な良さがあり、特に音楽の嵌め方のセンスがいいので、それだけで何となく見てしまう。90分という短さもちょうどよかった。

3月23

『フランシスカ』

　特集上映「永遠のオリヴェイラ」にて鑑賞。マヌエル・ド・オリヴェイラ監督、1981年の作品。1850年代のポルト。小説家のカミーロと友人のジョゼは、フランシスカと呼ばれるイギリス人の娘ファニーに惹かれる。ファニーはジョゼと結婚するが、3人の関係は悲劇的な結末を迎える。原作はアグスティ・ベッサ＝ルイスの小説『ファニー・オーウェン』。実際にあった話を元にしているそうだ。
　カミーロとジョゼが、あるいはフランシスカとジョゼ、また他の人たちが対話するシーンはいくつもあるが、双方の意思疎通の為の会話という気がなぜかしない。特にカミーロとジョゼはお互いばらばらの方向を見て、会話の内容も噛み合っているのか噛み合っていないのかという印象の方が強い。それぞれがそれぞれの思いを口にはするものの、それは届くべき人のところに届かない。お互いの間には高い壁のようなものがあり、思いが通じ合うことを阻んでいるかのようだ。劇中時間を止めるような、そこだけ空間が切り取られた独白シーンが印象に残るのも、その独白があまりに孤独で、誰にも届かなさそうだからかもしれない。
　カミーロは小説家という職業柄か、ジョゼのこともファニーのことも俯瞰して自分が彼らをコントロールしている気でいる。彼はジョゼにもファニーにも情熱がなく、結婚生活は上手くいかないだろうと踏んでダメ出しばかり。ジョゼはカミーロに反発しつつ、ファニーを自分のものにしたくなる。ファニーはジョゼを愛するが、徐々にジョゼの全てを支配したくなる。お互いの支配欲と「マウント取りたい」感がえぐく迫ってくる。特にカミーロの神の采配気取りには笑ってしまう。ファニーに選ばれなかったことのあてつけでもあるのだろうが、自分はあの2人よりも優れている、と本気で思っている風なところが何様だ感を強めるのだ。
　しかし不思議なことに、ファニーを巡る三角関係であるのに、ファニーの存在感が薄い。彼女の意思表示が弱いというよりも、カミーロとジョゼの2人の張り合いのトロフィーとしてファニーが位置づけられており、2人にとって、独立した人間としての彼女はさほど重要ではないのではと思えてくるからだ。いわゆる恋愛上の三角関係とは一線を画しているように思った。根深い愛憎があるのはカミーロとジョゼの間で、お互い嫌だ嫌だと言いつつ縁は切らない。とは言え、ファニーも当然人格を持った個人なので、その行動はカミーロやジョゼの思惑からは外れていく。そのことにカミーロもジョゼも思い当たらなかったことが、悲劇の発端だったように思う。

12月13

『ファンタスティック・ビーストと魔法使いの旅』

　未知の魔法生物を求めて世界中を旅している、魔法動物学者ニュート・スキャマンダー（エディ・レッドメイン）。ニューヨークにやってきたニュートは魔法のトランクに入れて持ち歩いている魔法生物に逃げられ、魔法生物の飼育を禁止しているアメリカ合衆国魔法議会に指名手配されてしまう。ニューヨークでは魔法によると見られる町の破壊が起きており、一般人＝ノーマジから姿を隠している魔法界と、人間界との軋轢が心配されていたのだ。原作はJ・K・ローリングの小説で、脚本もローリングが担当。監督はデビッド・イェーツ。
　ハリー・ポッターシリーズからのスピンアウトというか、新シリーズ。私は原作は読んでいないのだが、時代を遡り舞台は1920年代。当時の街並みや衣装を楽しむ、コスチュームプレイものとしてもいい。レッドメインがとにかくこの時代の服装が似合う。他のキャストも、レトロな服装が様になっている人ばかりだ。
　私はハリー・ポッターシリーズには今一つ乗れず、原作も映画も全ては把握していない。当初の（多分子供への読み聞かせという側面が大きかったからかも）設定の行き当たりばったり感や、魔法世界と一般人世界の両方が存在する世界のはずなのに2つの関連性が乏しい所、他国という概念が希薄な所などがひっかかっていたのだ。本作はある程度世界設定がならされた状態でリリースされているので、違和感がないわけではないが、ハリポタシリーズよりはそのあたりが改善されている。何より、登場する魔法生物たちが時にかわいらしく時にグロテスクで魅力がある。ニュートは魔法生物の保護を訴える立場だが、いわゆる動物愛というよりも、研究者としてのメンタリティが強く、時に人間そっちのけ。よりよいサンプルが欲しい！データが欲しい！という科学者の性を垣間見られる。魔法生物を愛してはいるが、ちょっと距離感があるところがいいのだ。
　ニュートにしろ、魔法議会の調査官だがニュートと行動を共にすることになるティナ（キャサリン・ウォーターストン）にしろ、魔法を使えない一般人だが巻き込まれていくコワルスキーにしろ、皆どこか不器用で、「世間」で上手くやっていけない。そんな人たちが力を合わせて事態を何とかしようとする話なので、ある意味エリート揃いのハリーポッターよりもぐっとくるものがあった。特に、魔法界にしてみたらよそ者であるコワルスキーが、「友達だから」とニュートを助け続ける姿がいい。魔法界と人間界は相変わらず断絶しているが、こういう人がいるのならあるいは、という希望を持たせる。一方で、不器用で「世間」に受け入れられたいばかりに悲劇を起こす人もいて、これはなんとも痛ましかった。2つの世界両方での差別の犠牲になったようなものだよな・・・。

11月26

『フランコフォニア　ルーヴルの記憶』

　第二次大戦中、ドイツ軍のパリ侵攻に伴い、ルーブル美術館から多くの美術品の疎開を実行した当時のジャック・ジョジャール館長と、美術品保護の責任者としてパリに派遣されたナチスの高官・メッテルニヒ伯爵。各地から美術品を略奪しルーブルに収容した、ルーブル美術館の生みの親とでも言うべきナポレオン一世と、ドラクロワの絵画「民衆を率いる自由の女神」に描かれたフランスの象徴である女性「マリアンヌ」。そして本作の監督であるソクーロフと、skypeで通信中の美術品運搬船の船長。過去と現在を行き来しながら、ルーブル美術館の姿とその歴史を辿る。監督はアレクンサンドル・ソクーロフ。
　ソクーロフが美術館を題材に撮った作品と言えば、全編1カット、全編エルミタージュを使ってのロケを敢行した『エルミタージュ幻想』が有名だが、これをイメージして本作を見るとちょっと拍子抜けするかもしれない。『エルミタージュ幻想』は映像美とスケールの大きさ、豪華さがあったが、本作はむしろコンパクト。サブタイトルの通り、ルーブルの記憶の断片、夢のかけらを垣間見るような雰囲気だ。また、実際にルーブルで撮影しているし収蔵品も登場するが、題名から期待するほどには映していない。
　本作がスポットを当てているのはルーブルと国家・権力との関係だ。その成り立ちからしても、単なるコレクションや教育の為だけではなく、フランスという国家の力、財力を誇示するためのものという側面が強く、その時々の権力とは切り離せない。
　ルーブルの美術品の中には、戦争の「成果」として各地から持ち帰られたものも多い。その戦争による死者はもちろん、（主に海路での運搬による）運搬の途中での事故死者も多かっただろう。収蔵までに失われた人命も美術品も多々あったのだと本作は示唆する。そういう事業を敢行できたのは、やはり国家の力の元強引に進めることが出来たからだと。
　ルーブル美術館という機関もコレクションも当然素晴らしいし、その恩恵は多々あるのだが、なかなか血なまぐさい側面もあるということを念押しするような作品だった。マリアンヌは度々、「自由、平等、博愛」というフランスの基盤となる理念をつぶやくが、ルーブルの収蔵品が集まった過程は、あまり自由・平等・博愛とは（少なくともある時代までは）あまり関係なさそう。

10月19

『淵に立つ』

　小さな金属加工工場を営む鈴岡利雄（古舘寛治）と章江（筒井真理子）夫婦。2人の前に、利雄の知り合いで刑務所から出てきて間もないらしい、八坂草太郎（浅野忠信）が現れる。八坂は夫婦と同居するようになり、娘も八坂に懐く。しかしある事件が起き八坂は姿を消す。8年後、夫婦は八坂の消息を掴む。監督・脚本は深田晃司。第69回カンヌ国際映画祭「ある視点」部門審査員賞受賞。
　私は深田監督の作品は、おそらく変化球であろう『さようなら』しか見たことがないのだが、本作を見ていてあっこの絵『さようなら』で見たやつだ！とはっとする場面が所々あった。構図をかなりかっちりと決めて撮る監督なのだろうか。冒頭のメトロノームの使い方や八坂の白いつなぎと赤いインナー等、ちょっと暗喩的な演出が多すぎるんじゃないかという気はしたが、ひとつの寓話のような雰囲気を強めるという意図なら効果的だったと思う。また、ともすると抽象的になりすぎそうなところを、役者の肉体の存在感が引き止めている。出演者全員とてもよかった。特に筒井の普通の中年女性っぽさとそこから見え隠れする凄みは素晴らしい。
　ある家族の崩壊を描いたようでもあるが、そもそも目の前のこの人を自分は本当に知っていると言えるのか？何を持って「知っている」とするのか？という問題とずっと向き合うような作品だった。人物を背後（後頭部のアップが多い）から映したショットが多いのもまた、表情が分からない＝何を考えているのかわからないことを連想させる。
　この人は何者なのか、という疑問は主に八坂に対してのもののように見える。利雄は八坂と前々から知り合いで彼の過去も知っているが、それでも八坂が起こす「事件」については予測もつかなかった。章江はもちろん八坂とは初対面だが、彼に徐々に惹かれていく。彼女もまた、八坂があのような「事件」を起こすとは思いもよらなかっただろう。とは言え2人が見ていた八坂の姿が偽りというわけではなく、八坂の一面を見ていたにすぎない。
　とは言え、八坂は最初から得体のしれない人として登場する。深刻に「この人を本当に知っているのか」という問題が浮上するのは、むしろ利雄と章江の関係においてではないか。利雄の「ほっとした」発言、そして八坂との過去の告白後、章江にとっての利雄は見知らぬ人になってしまったのだろう。ただ、家族という仕組みには、こういう面は多かれ少なかれあると思う。そこを問い続けても問わな過ぎても、家族という仕組みは崩壊してしまうのかもしれないが。

8月20

『ブリーダー』

　特集上映「カリテ・ファンタスティック！シネマ・コレクション2016」にて鑑賞。ニコラス・ウィンディング・レフン監督、1999年の作品。レンタルビデオショップで働く映画オタクのレニー（マッツ・ミケルセン）と、恋人と同棲中のレオ（キム・ドボゥニア）は、仲間と集まり深夜にB級映画鑑賞会をするのが習慣だ。レオは恋人の妊娠がしたが、自分が父親になることを受け入れられず、いらだちを募らせていた。
　レフン監督の初期の作品て、ほんとに若気の至り感が強く、時に（というか往々にして）気恥ずかしい。冒頭、登場人物がそれぞれのテーマソングとも言うべき音楽と共に登場するのだが、うーんやってみたかったのはわかるけど結構恥ずかしいな！見ていて変なニマニマ顔になってしまう。とにかく何かと恰好をつけたがり、色々とやりすぎなのだ。ここから『ドライヴ』まで進化したのが奇跡に思える。もっとも、『ドライヴ』は恰好つけの極みみたいな作品だから、ぶれずに邁進したとも言えるが。
　とは言え、描かれる若者たち（見た目はおっさんだが若い設定なのだろう）の所在なさは切実で、現代でもあまりかわらず、時にいたたまれない。年齢は一応重ねていても、社会に「大人」としてフィットしきれない感じが生々しかったし、未だにこういう感じは他人事とは思えない。事態が勝手に進むことについていけず、いらだちを募らせ恋人に暴力をふるってしまうレオはひどいやつだとは思うが、いっぱいいっぱいで自分では処理しきれないという感じはよくわかる。また、女性とのデートをすっぽかしてしまうレニーが、「映画の話しかできない」から女性と付き合うことに踏み切れないというのも、なんだかしみじみとする。対人スキルもない、お金もない状況では、恋愛（だけではなく人づきあい全般）は荷が重いものだろう。ただ、レニーは一歩踏み出す（踏み出した瞬間の演出がロマンティックすぎて笑った）ので、ちょっとほっとする。
　なお、今や大人気のマッツ・ミケルセンだが、本作では実にさえない。この人、ストリート系のファッション、というかお金がなさそうな恰好が本当に似合わないんだな･･･。また、レニーが映画マニアということで、映画マニアがにやついてしまう小ネタが多かった。シネフィルあるあるとでもいうような「有名監督」のチョイスはなかなかにイタい。スピルバーグとか入れてやってよ･･･。

7月27

『ファインディング・ドリー』

　『ファインディング・ニモ』の13年ぶりの続編。吹替2Dで鑑賞マーリンとニモ親子が無事再会してから1年後。何でもすぐに忘れてしまう体質のナンヨウハギ・ドリーは、ずっと忘れていた両親の存在を思い出す。ドリーは両親を探しだすと決意し、唯一覚えていた「カリフォルニア州モロ・ベイの宝石」という言葉を手がかりに、カリフォルニアの海洋生物研究所に辿りつく。監督はアンドリュー・スタントン。
　ピクサー・アニメーション・スタジオの新作だが、さすがに危なげが全くなく、安心して見られる。ビジュアルのクオリティの高さはもちろんだが（ちょっとアトラクション性を盛りすぎかなとは思ったが）、しっかりしたストーリーテリングや全方位への配慮はさすが。ニモがちょっと成長して、若干毒舌になっているところがかわいい。いずれ反抗期に突入するのだろうか･･･。
　本作の主人公はもちろんドリーなのだが、ドリーが出会う魚や動物が皆印象に残った。彼女を手助けしてくれる海洋生物研究所のジンベイザメやシロイルカは、自分にいまひとつ自信がない。極端な近視であったり、体に故障があったりして、一人で海で生きていくなんて出来ないのではと思っている。そんな彼らが、ドリーの楽天性、行動力に誘発されてなんとかやってみようとする。また、一見チートキャラなのに海での生活を拒むタコのハンクが、ドリーの為に奮闘する姿には思わずぐっときた。まさか自分の人生でタコがイケメンに見える日が来るとは。
　とは言え、ドリーだって自信満々というわけではない。すぐに物事を忘れてしまう彼女にとって、世界は更におぼつかないものだろうし、自分一人では無理だという発言もしばしばある。冒頭、幼いドリーが迷子になるが、徐々に自分が迷子なことも両親を探していることも忘れていく様は少々ホラーっぽくもあった。
　それでもドリーがなんとかなると思えるのは、両親の尽力の賜物だろう。彼女の「すぐ忘れる」という特徴をふまえつつ、生きる為の彼女なりのやり方を何とか考えだし、工夫を重ねて教えていく。その上で、「一人でもやれる」という自信を持たせようとするのだ。本作、楽しい冒険映画ではあるのだが、子供を持つ人にはより切実に見られるのではないだろうか。親が子供に残せるものって、どのくらいあるんだろうとしみじみしてしまった。
　なお吹替え版で見たが、概ねいい出来だったと思う。八城亜紀の登場にはなぜ？と思ったが（英語版だとシガニー・ウィーバーなので、似たポジションの人を起用したというわけでもなさそう）、慣れてくるとあの声が癖になってくる。ちなみにエンドロール曲は前作を踏襲してスタンダードナンバーだが、今作の方がよりユーモアがきいており、かつ泣けると思う。

7月25

『ふきげんな過去』

　高校生の果子（二階堂ふみ）は両親、赤ん坊の妹、祖母と暮らしている。ある日18年前に死んだはずの伯母、未来子（小泉今日子）が訪ねてきた。未来子はある事件を起こして前科持ちになり、方々をふらふらしていたと言うのだ。未来子は果子の部屋に寝泊まりすることになり、彼女のふてぶてしい振る舞いに果子は苛立つ。監督・脚本は前田司郎。
　劇作家である監督の癖なのか、セリフが時に意味合いの強すぎるもので、作品の雰囲気から浮く。果子が未来子の言葉に「いいこと言ったみたいにしないで」と言う旨のツッコミを入れるシーンがあり、そういう意図ならいいのだが、ツッコミ不在でこのポエムどう処理すればいいの？と落ち着かなくなる所も。セリフがよくないというのではなく、この映画の緩めなトーンにこのセリフだと、ちょっと強すぎ・意味合いを持ちすぎるなという印象。
　果子は毎日変わり映えしなくてつまらない、未来のことなんて簡単に予測がつく（「私、未来が見えるの」というセリフが何回か出てくる）と言う。だから、ここではないどこかに行きたい、連れて行ってほしいと願っている。しかし、仮にここではないどこかに行ったとしても、彼女はすぐに退屈するのではないか。果子の日常は、客観的には（映画を見ている側にとっては）なかなか奇妙で、そこそこ色々なことが起きて面白い。当事者と傍観者では全然感じ方が違うとはいえ、面白さを探していない、気づいていないだけなんじゃないかなと思う。当人が愉快さ（不愉快さも）を見つける目を持っていないと、どこに行っても大して状況は変わらないんじゃないだろうか。見ようとしない人の前に「ワニ」は現れない。おそらく未来子はそれに気づいており、だから果子を連れて行かなかったのではないか。
　未来子と果子が、ちょっとしたナイトクルージングに出るエピソードがあるが、（硝石採掘という目的があるとはいえ）近所の川で小船に乗るというだけの行為が、幻想的で冒険みたいに見える。日常の隙間にも非日常的な楽しさはあるのだ。
　果子の家は蕎麦屋を改装した豆料理店（中近東の豆料理らしい）をやっているのだが、案外流行っているらしいあたりが妙におかしかった。全然洒落ていない古い店なのだが、ちょっと『ことりっぷ』とかに隠れ家レストランとして載っていそうな雰囲気。果子が未来子に持っていくカレーがおいしそうだった。

7月8

『二ツ星の料理人』

　才能はあるものの、トラブルを起こし仕事を失ったシェフ、アダム・ジョーンズ（ブラッドリー・クーパー）は、ロンドンで3年ぶりに再起を図る。自分のトラブルのせいで閉店に追い込んだパリの店のオーナーの息子トニー（ダニエル・ブリュール）から、半ば強引に協力をとりつけ、最高のスタッフを集めて新規店舗をオープンするが。監督はジョン・ウェルズ。
　レストランの厨房の描写はかなり正確らしく、登場する料理もおいしそうだし、最近のいわゆる一流レストランの料理の方向性ってこういう感じなのかな、という雰囲気が味わえて楽しい（ただし、厨房でたばこを吸うというのは今時ありえないんじゃないかという気がするが･･･。あそこで一気に料理がまずそうになった）。そして、「いい（有能な）シェフ」というのは、なにをもって「いい（有能な）」とされるのかな、とアダムのてんやわんやを見て考えた。本作で描かれる厨房の様子を見ているとわかるのだが、ある程度の規模のレストランの場合、当然シェフ一人でその都度全ての料理を作ることはできないので、分業になる。ボスとなるシェフは、レシピを考え料理をするというのはもちろんだが、スタッフを上手く使わないとならない。人的・物理的なマネージメントも「いい（有能な）」シェフの条件になるのだろうか。だとすると、いわゆる料理バカ的な、一点突破型の才能の持ち主には難しいということにならないだろうか。つまり、「天才だから」という言い訳が通用しないのだ。
　アダムは才能も技術も突出しているが、人間としてはかなり問題が多い。パリを離れた経緯は最初はっきりしないのだが、どうやら、泥酔の上自分で招いたトラブルから逃げ出して、後はトニーに丸投げ状態だったということがわかってくる。トニーから協力をとりつけるやりかたも、女性シェフ・エレーヌ（シエナ・ミラー）のスカウトの仕方も強引で、とにかく俺が正しいという態度。スタッフへの叱責の仕方も、これダメな上司タイプの叱り方だな･･･。才能とルックス以外に彼のいい所が見えてこない。こういう状態で組織を引っ張っていく、人心掌握していくのは至難の業だなと思っていたら、案の定しっぺ返しがくる。
　とは言え、彼の自己愛と強気は、不安さの裏返しでもある。彼も自分が問題を抱えているということはわかっている。ただ、それを認めるのは、自分の弱さを認めるということだ。完璧主義の彼がそれを受け入れることができるのか。自分の弱さを認めたくない故にカウンセリングや互助会（断酒会とか）への参加を拒む人物像（往々にして「男らしさ」に拘る男性キャラクターが多い）は、アメリカの小説や映画でよく目にするが、アダムも彼らと同じだ。彼の場合は才能があり、なまじ成功体験がある故に、上手くいかないと余計に辛いのだろう。彼の辛さを受け止めるのが、犬猿の仲のライバルシェフだというところにぐっときた。同じ道を歩んでいないと見えないものもあるのだろう。

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