と : 3つ数えて目をつぶれ

と

6月27

『ドクター・ドリトル』

　動物と話せる獣医師のドリトル（ロバート・ダウニー・Jr.／藤原啓治）は、妻を亡くして以降、森の中の屋敷に引きこもり、様々動物たちとひっそりと暮らしていた。しかしある日、病で倒れた女王を
助けてほしいと依頼を受ける。唯一の治療薬は伝説の島に生息する植物。ドリトルは仲間と共に伝説の島を目指す。原作は100年以上愛読されているヒュー・ロフティングの児童文学。監督はスティーブン・ギャガン。
吹替版で見た。ドリトル先生（原作読者にとってはやっぱり「先生」だよな）は私の中ではどうもダウニー・Jr.のイメージではないし、ドリトル先生に異性のパートナーがいるというのもイメージ違うのだが、原作とは別物としてまあまあ楽しい。原作との共通項は、動物の言葉を話せる医者って所くらいで、あとは動物たちの性格含めおおむねオリジナルだ。ストーリーは幻の島にお宝探しに行くぞ！程度の雑さなのだが、細かいことを気にせず老若男女が楽しめそうだし、変なひねりのない素直なおおらかさなので、嫌な感じがしない。
　動物たちは全てCGなのだろうが、動きや表情が意外と「動物」寄りで、言葉は話す（というかドリトル先生にのみわかる）が人間に寄せすぎていない。ここがとてもよかった。人間に寄せすぎるとデフォルメが下品になる印象があるのだが、そのあたりの踏みとどまり方が的確だったように思う。トンボのみちょっとまんがっぽすぎるかなという気はしたが。

　吹替え版で見たのだが、ダウニー・Jr.役の藤原にとってはこれが遺作ということになるのだろうか。藤原以外のダウニー・Jr.の声にはなかなか慣れそうもなく、寂しい限りだ。私は普段は字幕派だが、本作に限っては吹替え版を推奨したい。本作、日本語吹き替え声優が非常に豪華。ゴリラが小野大輔、シロクマが中村悠一、アヒルが朴璐美、犬が斉藤壮馬等、普段主役を張っているキャストがぞろぞろ登場するので、声優ファン、アニメファンにもお勧め。なおプロ声優以外の起用としてはオウム役が石田ゆり子なのだが、石田ゆり子にたしなめられたい人にはかなり良いと思います。原作のポリネシアのイメージとは違うんだけど、これはこれで素敵。また霜降り明星の2人がある生き物役で出演しているが、予想外に様になっている。

ドリトル先生アフリカゆき (岩波少年文庫)

井伏鱒二

岩波書店

2016-01-21

シャーロック・ホームズ　シャドウゲーム (吹替版)

ケリー・ライリー

2013-11-26

2020年06月27日17:00
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5月31

『鳥の歌いまは絶え』

ケイト・ウィルヘルム著、酒匂真理子訳

　様々な事業を展開する裕福な一族に生まれ、生物学者を目指すデイヴィッドは、地球上のあらゆる生物が滅びに向かっていることを知る。一族は資産と人員を終結させ研究所を作り、クローン技術によって人類を存続させようとするが、クローンたちは従来の人類とは異なる性質を見せ始める。

　地球上の生命が弱体していく世界を3世代にわたって描くSF長編。滅びゆく世界、人類の知恵・生命のもろさが情感豊かに物悲しく描かれている。が、パンデミックの中で読むには少々不向きだったか…。前半は人類の英知の敗北といっていいような展開なのでちょっと辛いんだよね…。

　デイヴィッドたちはクローンを作るが、彼らには「個」という概念が薄く、兄弟姉妹で強い共感能力を持ち1つの生命体のようにふるまう。デイヴィッドら旧人類とは別の文化・別の生命として生き始める。しかしクローンたちもまた滅亡の道を歩み始める。彼らには独創性や創造力、抽象的なものを考える力がないので予想外の危機に対応できないのだ（このあたりのクローンの概念はさすがに一時代前のものだと思う）。突破口となるのは、それまで問題因子とされていた「個」。創造性と孤独がセットになっていることが人間の特性、それぞれ全く似ていないことに価値があるという人類の描き方はヒューマニズムに根差していると言えるだろうが、希望がありつつもやはり滅びの気配が漂う。美しいが儚い。

鳥の歌いまは絶え (創元ＳＦ文庫)

ケイト・ウィルヘルム

東京創元社

2020-04-30

ナインフォックスの覚醒 (創元ＳＦ文庫)

ユーン・ハ・リー

東京創元社

2020-03-12

2020年05月31日21:41
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12月19

『ドクター・スリープ』

　雪山のホテルでの惨劇を母と共に生き延び、大人になったダニー（ユアン・マクレガー）。しかし今もトラウマに苦しみ、人と関わらずひっそりと生きていた。世間では子供の失踪事件が相次いでおり、不思議な能力を持つ少女アブラ（カイリー・カラン）は邪悪な集団の存在に気付く。その集団を率いるローズ・ザ・ハット（レベッカ・ファーガソン）もまたアブラに気付き、彼女を狙う。邪悪な存在に気付いたダニーはアブラと協力し事件を追っていく。原作はスティーブン・キングの小説。監督はマイク・フラナガン。
　『シャイニング』の後日談という体の作品で、子供だったダニーは今や立派な大人。実は私は『シャイニング』を未見だったので、これを機に見て本作に挑んだ。合わせて見てちょっと驚いたのだが、原作者は同じでも映画のテイストが全然違う！本作は『シャイニング』の有名すぎるショット、美術を踏襲してはいるのだが、映画としての方向性があまりに違う。キングの原作には本作の方が忠実という話は聞いていたのだが、だとするとキューブリック監督『シャイニング』ってキング原作の本質からはかけ離れていたのでは…。キューブリック監督『シャイニング』は邪悪さというよりも狂気、主眼が置かれているのはダニーの父親が変質していく様だったが、本作では善と悪の対決が中心にあり、狂気ではないんだよなと。不思議な力「シャイニング」そのもの、「シャイニング」によって善性が発揮されるという所こそが肝になっている。個人的にはそこが単純すぎて物足りない部分（そしてキング作品の苦手な部分）でもある。キングがキューブリック監督の『シャイニング』を見て激怒したというエピソードのみ知っていたのだが、そりゃあ怒るなと腑に落ちた。ただ、映画の強度みたいなものは、『シャイニング』の方がはるかに強い。本作は面白かったが、あくまで普通のエンターテイメントとしての面白さ。『シャイニング』のような異様さはない。そこが良い点でもあるのだが、後々に残るインパクトはさほどないのだと思う。さらっと楽しめてしまうから。

　とは言え、子供時代のトラウマを背負い続けるダニーが、アブラという（非常に能力は高いが）子供の前で大人としての責任を全うしようとする、それによって子供時代からついに解放される様にはぐっときた。ユアン・マクレガーの起用はナイーブさと優しさを感じさせてすごくよかったんじゃないかと思う。

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2019年12月19日21:00
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9月2

『トイ・ストーリー４』

　ウッディ（トム・ハンクス／唐沢寿明）の新しい持ち主になった女の子ボニーは、幼稚園の工作で作った「フォーキー（トニー・ヘイル／竜星涼）」を持ちかえってきた。ウッディたちはおもちゃ仲間としてフォーキーを迎え入れようとするが、先割れスプーンやモールで作られたフォーキーは自分をゴミだと認識し、事あるごとにゴミ箱へと逃げ出してしまう。キャンプ旅行中に逃げ出したフォーキーを連れ帰ろうとしたウッディは、アンティークショップでかつての仲間ボー・ピープ（アニー・ポッツ／戸田恵子）のランプを発見する。監督はジョシュ・クーリー。
　トイ・ストーリーシリーズには私はあまり思い入れはないのだが、ウッディがちょっと面倒くさい上司みたいになっていてやるせないものがありますね･･･。もうそれはあなたの仕事ではないんじゃないですかね、ということに彼が執着し続けている、それがアイデンティティになってしまっているというのが見ていてしんどい。今回はそのアイデンティティに関わるストーリーだった。おもちゃのアイデンティティとは、というテーマは今までもシリーズ内で語られてきたが、今回はそこから更に一歩進んで、持ち主がいなくてもおもちゃはおもちゃである、という領域に入っていく。個人的には「おもちゃ」自体をやめてしまっても（子供と関わる存在ではなくなっても）彼らは彼らだと思うのだが。
　フォーキーのアイデンティティが「ゴミ」から「おもちゃ」に変化していくように、おもちゃのアイデンティティが何か別のものに変容していってもいいと思うし、アイデンティティってもっと自由でいいんじゃないかなと思う。というか個人的にそうであってほしい。
アニメーション技術面の進歩が目覚ましく、特にボー・ピープの陶磁器の肌のなめらかかつ硬質そうな質感、衣装の布目の表現の仕方など素晴らしかった。髪の毛のカールの畝に釉薬が溜まっている感じとか、もう唸るしかない。

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2019年09月02日20:00
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8月19

『隣の影』

静かな住宅地。老夫婦のインガ（エッダ・ビヨルグヴィンズドッテル）とバルドウィン（シグルズール・シーグルヨンソン）が隣家の中年夫婦エイビョルグ（セルマ・ビヨルンズドッテル）とコンラウズ（ソウルステイン・バックマン）にクレームをつけられた。庭木がポーチに影を落とすので切ってほしいというのだ。これを皮切りに2家の関係は悪化。身の回りで起こる災難は全て相手の嫌がらせに見えてくる。一方、インガ夫婦の息子アトリ（ステインソウル・フロアル・ステインソウルソン）は妻アグネス（ラウラ・ヨハナ・ヨンズドッテル）との関係が破綻しそうになり、実家に転がりこんできた。監督はハーフシュテイン・グンナル・シーグルズソン。
坊主憎けりゃ袈裟まで憎いと言うかなんというか･･･。相手のやることなすこと気に食わない！というご近所付き合いの闇が広がっていく様をブラックユーモアで描いている。アイスランドの映画のユーモアってちょっと独特というか、人間の可能性にあまり期待していない感じがする。かなりシニカルだ。
２つの家庭がぶつかりあっていくが、双方の憎しみの度合いは同等のものではない。インガは少々被害妄想に走っているように見える。彼女の憎しみは大分理不尽だ。エイビョルグの妊娠を知った時の一言には、えっそっちに反応する？！そんなこと言う？！というもの。そしてコンラウズは妻の異変に気づいているが、肝心な所で逃げる。インガの変調は長男の死がきっかけらしいということが徐々にわかってくるものの、そもそも愛情のあり方にちょっと問題のある人なのでは。夫婦共にその問題、そして長男の死とちゃんと向き合ってこなかったのではと思えてくる。アトリの妻子に対する態度もかなり問題あるが、当人は自覚していない。この一家「そういう所だぞ」という部分が多すぎるのだ。隣家とのもめごとにしろ妻から愛想尽かされることにしろ、今に始まったことではなさそう。
エイビョルグとコンラウズは彼らに巻き込まれてしまったように見えてくる。2人の言動は確かに無神経だし傲慢なところもあるのだが、そこまで病的な印象ではない。何の因果で･･･。不条理劇ホラーのような作品だった。

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2019年08月19日21:00
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8月13

『トム・オブ・フィンランド』

　第二次大戦後のフィンランド。帰還兵のトウコ・ラークソネン（ペッカ・ストラング）は広告会社でイラストレーターの仕事をしつつ、自分の為だけにたくましくセクシーな男性の絵をスケッチブックに描き続けていた。当時のフィンランドでは同性愛は法律で禁止されており、ゲイであるトウコは自分のセクシャリティを明かすことも、公の場でパートナーのヴェリ（ラウリ・ティルカネン）との関係を明かすこともできなかったのだ。トウコは作品をアメリカに送るようになり、雑誌の表紙に起用されたことがきっかけで、世界中でその作品は評判になっていく。監督はドメ・カルコスキ。
　本名で作品を発表できないトウコのペンネームが「トム・オブ・フィンランド」。実在したゲイアートの先駆者、トム・オブ・フィンランドの伝記映画だ。フィンランドでは法的に同性愛が禁止されているため、アメリカに作品を送って売っていたわけだが、トウコがあずかり知らぬところで彼の絵がどんどん知られるようになり、ゲイの人々の間で愛されるように、また彼らをエンパワメントするようになる。その流れを作家当人は全然知らないままだったという所に時代背景を感じた。ファンの招きにより渡米して初めて、トウコは自分の作品がどのように受けいられているのかということ、そして作品に勇気づけられた人たちがいることを知る。このエピソードはアートの持つ力、役割を感じさせ感動的ではあるのだが、同時にヘルシンキとカリフォルニアとの状況が違いすぎて辛くもある。同じ時代であっても生まれた場所が違うだけでこんなに自由の度合いが違うのかと。カリフォルニアで警官の振る舞いを見たトウコの表情が何とも言えない。トウコにとって警官は自分を迫害し痛めつけるもので、礼儀も尊重もなかったのだから。
　トウコの戦時中の体験と、戦後の生活、そして晩年とを行き来する構成で、彼の人生を追っていく。また同時に、彼の作品がどのように受容されていったのか、ゲイ社会がどのように変化していったのかという社会背景も映画いている。トウコが初めて渡米した頃は解放感に満ちていたのに、エイズの発症が確認されるようになると同性愛者差別が加速し、また時代が逆行したようになっていく。同性愛が法に触れなくなった後も、トウコはヴェリと外で手をつなごうとしないし、「ゲイっぽい」振る舞いをすることに抵抗があるように見えた。妹にも自分とヴェリの関係をちゃんと説明していたのかどうか、はっきりしない。職場でヘテロっぽさを強調するあまりちょっと女性へのセクハラっぽくなるあたりはいただけなかった。トウコ自身はかなり保守的というか、ゲイに対する差別と闘うといった意欲は長らくなかったように見える。長い間そういったことが禁じられていたから、隠すことが習い性になってしまっていたというのもあるだろう。彼の意識がちょっとずつ変わっていく過程を描いた物語でもある。終盤、カーテンにまつわるエピソードにはちょっとほろっとしてしまった。あの時無理だと言っていたことが、ちゃんとできるようになっているじゃないかと。時代は確実に変わるのだ。
　彼の作品はゲイの人々をエンパワメントするものだったが、作者当人はなかなか自由にはなれなかった。作品の方が作家よりも早く遠くに行けた、作家当人にはその自覚がずっと希薄だったところが面白いし、皮肉でもある。それがアートの面白さなのかもしれない。

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2019年08月13日20:30
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5月20

『ドント・ウォーリー』

酒びたりの日々を送るジョン・キャラハン(ホアキン・フェニックス）は交通事故で胸から下が麻痺し、車いす生活になってしまう。更に酒に溺れるキャラハンだが、アルコール依存症の互助会に参加するうち、徐々に立ち直っていく。そして風刺漫画家として歩みだす。監督はガス・ヴァン・サント。
キャラハンの車いす生活や風刺漫画家としての開花と成功は、大きな要素ではあるもののあくまでサブストーリーであるように思った。軸になっているのはアルコール依存症からの立ち直りだ。彼がアルコールに溺れる原因はどこにあるのか、自分と向き合っていく様が、過去と現在を行き来しながら描かれる。そんなに劇的な構成ではなく、むしろ平坦にも見えるのだが、少しずつしか歩めないものである、（作中で言及されるように）回復に劇的な瞬間などないという所がポイントなのだ。一歩進んで二歩下がる、を延々と続けていく。
断酒会の様子がなかなか良い。ずけずけ物を言う人もどこか憎めないし、それぞれ事情がある中、時に失敗しつつも踏ん張っているのだろうと思える。会の“スポンサー”であるドニー（ジョナ・ヒル）は多額の遺産を相続し何一つ不自由ない優雅な生活を送っているように見えるし、ちょっと新興宗教の教祖的なうさんくさい雰囲気もある。しかし、彼がこの境地に辿りつくまでにはやはり苦しかったし、今もまた苦しいのだと徐々に見えてくる。終盤のキャラハンと彼とのやりとりは、彼がキャラハンに渡したかったものがちゃんと渡された、かつやはり「互助」なのだということを感じさせしみじみと良かった。
キャラハンの漫画は過激だという触れ込みで、あえて差別的な表現もしている。彼のガールフレンドはそれについてあっさりと「あなたは古い」と言い放つ。多分、今だったらもっと古く感じるだろう。彼の「過激さ」というのはそういうもので、表現も価値観も時代と共に常に変化していくのだと示唆される。このあたりは、キャラハンの表現を必ずしも全面的には肯定しないという、監督の倫理観なのかなと思った。
登場する人たちは基本的に皆いい人だ。困った奴、どうしようもない奴はいても悪人ではない。とはいえルーニー・マーラ演じるガールフレンドはあまりに理想的で天使すぎないかと思った。キャラハンの脳内彼女なのではという疑いを最後までぬぐえなかった。

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2019年05月20日18:00
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2月10

『ともしび』

　ベルギーのある町で、夫と慎ましく暮らしているアンナ（シャーロット・ランプリング）。しかしある日夫（アンドレ・ウィルム）は刑務所に入り、彼女の生活は少しずつ狂っていく。監督・脚本はアンドレア・パラオロ。
　邦題は「ともしび」だが、むしろともしびが消えるような話だった。原題は「Hannah」で、これには納得。あくまでアンナという1人の女性の有り様を見せる話だ。アンナの夫が何をやったのか、夫婦がどういう状況にあるのか、具体的な情報は殆ど提示されない。特に序盤は、やたらとひっそり暮らしているなという印象を受ける程度なのだが、何かよからぬことが起こっているという気配はひしひしと感じる。徐々に周囲の反応や夫の言葉から、何があったのか察することは出来るのだが、決定的な答えは観客には提示されないままだ。
　しかしそれ以上にわからないのは、アンナと夫がどのような夫婦だったのか、アンナは夫のことをどのように思っていた（思っている）のかという部分だ。2人の関係性がびっくりするくらい見えてこない。要するにそういう夫婦だったということなのかもしれないが、だからこそ、アンナが直面する諸々の問題が降ってわいたようなもの、彼女があずかり知らぬうちに降ってわいたようなものに見える。彼女にとって自分の周囲で起こることは理不尽であり不条理なものなのだ。
　ただ、アンナが夫がやったあることを全く知らなかったのか、それとも何となく気付いて見て見ぬふりをしていたのか、何とも言えないようにも思う。アンナが何かに耐えている、自分の中に押さえこんでいるものがあるということはわかるが、彼女の葛藤の正体は明かされないままだ。終盤の階段を下りるショットが妙に不吉で、目が離せなかった。どう転んでもおかしくない危うさがある。

　サントラとしての音楽は使われず、町や室内で流れている音楽のみというストイックな演出。これも本作の不穏な雰囲気を強めていた。

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2019年02月10日11:30
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1月23

『特捜部Q　カルテ番号64』

　壁に塗りこまれた隠し部屋から、ミイラ化した3体の死体が発見された。過去の未解決事件専門の、コペンハーゲン警察の部署「特捜部Q」に所属するカール警部（ニコライ・リー・コス）とアサド（ファレス・ファレス）は捜査を開始する。過去に存在したある女性収容施設が関係していると睨むが。原作はユッシ・エーズラ・オールセンの同名小説。監督はクリストファー・ボー。

　過去と現在が交互に入り混じる構成だが、見ていて混乱することはない。エピソードと時間軸の交通整理がきちんとされており、結構なボリュームの原作をコンパクトにまとめている。あの原作を2時間以内に収める手腕は見事。映画単体としてはいいアレンジだったと思う。出来栄えが突出してよかった映画1作目と同等の緊張感を感じた。

　本作で表出するある人たちの思想は、ちょっと表現を変えるとあっさり受け入れられそうな所が怖い。自分たちが優れている、勝ち抜いた側だという思想って中毒性のある気持ち良さなんだろうな･･･。アサドが捜査陣の一員である意味がこれまでの作品の中で最も強い。

　過去と現在を行き来する構成によって、ある人の怒り、そしてたどり着いた境地がより深く余韻を残す。犯行の「どうやって」という部分にはあまり言及されないが（殺人としてはちょっと出来すぎだ）、「なぜ」の部分はひしひしと伝わってくる。自分の人間としての尊厳が侵されることへの怒りがそこにあるのだ。それを受けてのカールの行動もちょっと頷ける。

　最後、カールとアサドの関係が更に一歩前身しており、おおようやく！と微笑ましくなる。カールは相変わらず偏屈なのだが、アサドもローサもそんな彼のことを一貫して（時に腹を立てつつ）心配しており、こちらも微笑ましい。カールは偏屈だけど、アサドやローサの仕事能力に対してはフェアなのだ。

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2016-08-03

2019年01月23日19:30
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10月14

『ドリーム』

　アメリカとソ連が宇宙開発でしのぎを削っていた1961年。バージニア州ハンプトンのNASAラングレー研究所には、ロケット打ち上げに必要な大量の計算を行う黒人女性のチームがあった。数学の天才キャサリン（タラジ・P・ヘンソン）、管理職志望のドロシー（オクタビア・スペンサー）、エンジニア志望のメアリー（ジャネール・モネイ）はそれぞれ優れた才能を持ちながら、黒人かつ女性であることで理不尽な境遇に立たされ、出世の道も閉ざされていた。監督はセオドア・メルフィ。
　冒頭、警察官とのやり取りの中で、キャサリン、ドロシー、メアリーが3人3様の対応のトラブルへの対応方法を見せる。この人はこういうスタンスなんだ、ということが簡潔によくわかる、上手い演出だ。誰のやり方が正解というわけではなくて、それぞれのやり方がある。そして、3人はお互いにそれぞれのやり方を尊重している。この「それぞれである」ということが、本作全体を貫く一つの柱にもなっているのだ。
　キャサリンたちは、頻繁に大雑把なくくりで括られ、偏見で判断される。黒人だから専門性の高い仕事は出来ない、女性だから働くことには向いていない、といったように。しかしそれらは、世の中が勝手に決めてそういうものだと見なしているというだけで、実際には黒人であろうが白人であろうが、女性であろうが男性であろうが、数学が得意な人も不得意な人もいる。千差万別なはずなのだ。それがなぜ、黒人だから、女性だからとひとくくりにされるのか。世間がそうしているから、これまでそうだったから、という以外の具体的な理由は見当たらない。「これまでそうだったから」ということの無頓着な暴力性は作中でしばしば目にされる。これまでのやり方に準じている側は、それが差別的なことであるとは気付かないのだ。だって「これまでそうだったから」。ドロシーの上司の「偏見があるわけじゃないのよ」という言葉（とそれに対するドロシーの返し）が象徴的だった。
　キャサリンたちが掴み取ったものは、彼女らの突出した才能による「特例」であったという一面は否めない。平等にはまだほど遠いのだ。メアリーの夫が彼女が出世しようとするやり方にイラつくのもわからなくはない（白人たちの土俵で彼らに認めて「もらう」ってことだから）。しかし、彼女らは自分たちの一歩が次の誰かの一歩に繋がる、その一歩が裾野を広げていつか本当に平等が得られるはずだと信じて進むのだろう。キャサリンの両親や教師たちもまた、次の誰かの為にと尽力したのだ。
　音楽と衣装がとても良い作品でもあった。いかにも60年代ぽい楽曲の数々はファレル・ウィリアムズによるものだが、ファレルの職人技を見た感がある。また、女性達のファッションが色とりどりで目にも楽しいし、着ている人のパーソナリティが垣間見える着こなしになっている。ドロシーがスタッフを引き連れて行進するシーンは圧巻だった。

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2017年10月14日13:00
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