3つ数えて目をつぶれ

映画と本の感想のみを綴ります。特に映画。ご連絡はhoto5now★yahoo.co.jp(お手数ですが★を@に変えてください)まで。

『沈黙 サイレンス』

 17世紀、キリスト教が禁じられ信者が弾圧されている日本で、ある宣教師が棄教したという噂がポルトガルに届く。その宣教師の弟子である若い宣教師ロドリゴ(アンドリュー・ガーフィールド)とガルペ(アダム・ドライバー)は真相を確かめる為に日本への密入国を試みる。中継地のマカオで、遭難していたという日本人漁師のキチジロー(窪塚洋介)を案内人にし、ようやく日本にたどり着くが、日本でのキリシタン弾圧は2人の想像を超えるものだった。原作は遠藤周作の小説『沈黙』、監督はマーティン・スコセッシ。
 3時間近い長尺の作品だが、見ている間はあまり長さを感じなかった。今更ながら、スコセッシってやっぱり映画作り上手いんだな・・・。私は彼の監督作はあまり好きではないのだが、本作はとても面白かったし、自分にとって2017年のベスト入りしそうな作品だった。スコセッシがキリスト教信仰について真剣に悩み、考え続けた結果生み出されたことがよくわかる。映像も美しい。空の空撮や、霧に包まれた山海の美しさ等どこかエキゾチックな雰囲気もあり、昔の日本映画にオマージュを捧げるようなシーンも(夜の海を小船で行くシーンとか、あっこれ見たことあるけど何だったっけと気になった)。主なロケ地は台湾だが、さほど違和感はない。原作では長崎近辺が舞台だったと思うので、もうちょっと南下した土地の雰囲気になっている。そのせいか、全体的に空気がしっとりとした感触。また、音楽は抑制されており、冒頭とエンドロールで虫の声と風や波の音だけが響く様が印象に残った。「沈黙」というのは、言葉が聞こえない・人の中に入ってこないということであって、世界自体には音が満ちている。人間が繰り広げる物語は過酷なのだが、それを取り巻く風景は依然として美しくしいのだ。
 信仰心の篤いキリシタンたちは踏み絵を踏むことを拒み、拷問され、処刑されていく。また、ロドリゴが信仰を守っている限り彼らも信仰を貫こうとするのだと、キリシタンを弾圧する大名・井上(イッセー尾形)は「お前(ロドリゴ)が彼らを不幸にしている」と言う。井上の言葉はロドリゴの隙につけこむ詭弁(そもそも彼らを迫害することにしたのは幕府、大名だし命令を下しているのは井上だ)なのだが、ロドリゴはその言葉に揺さぶられてしまう。そもそも、元々キリスト教がなかった土地で布教をすること自体、一種の暴力的な行いとも言える。通訳の武士(浅野忠信)は「お前たちが来なければ(農民たちは)こんな目に遭うこともなかった」と言う。それは言いがかりなのだが、ロドリゴは反論できない。信仰は弱い者を支え、救済する為のものだったのに、彼らを却って過酷な目にあわせてしまう。では何の為の信仰なのか。踏み絵を踏んだら棄教者としてキリスト教会からは蔑まれるが、そこまで強いることが教会に出来るのか。最初は信仰と正義に燃えていたロドリゴだが、自分達の信仰が日本のキリシタンたちを救ったのか、また日本で土着化した信仰はキリスト教として正しいと言えるのか、自信を無くしていく。
 一方、キチジローはキリシタンだが信仰を捨てなかった家族のようにはなれず、何度も踏み絵を踏み「転ぶ」。彼の信仰はもろくいい加減なように見える。しかし、その度にロドリゴを追い、聖職者としての赦しをこうのだ。そのしつこさにロドリゴは嫌悪感も示すが、切実に信仰と赦しを必要としているのは、キチジローのように「良き信徒」になりきれない心の弱い人たちではないのか。一貫して揺るがない信仰、その果てとしての殉教を求めるのは、弱い人たちを切り捨てることになりかねないのではと思えてくるのだ。
 終盤の「その後」のエピソードは、ロドリゴが教会に所属する神父ではなく、個人として神と向き合い続けた結果であるように思う。個人対神という構図が大元にある以上、教会から離れても彼はクリスチャンであり続けたと言えるのではと。ただそれだと、教会の存在意義とは何かという疑問が出てきてしまうが・・・。こういう作品を、クリスチャンであるスコセッシ監督が撮った(そもそも原作小説に強く感銘を受けたということ)ということがとても面白い。

『父を探して』

 親子3人で暮らしていた少年は、出稼ぎに行った父親を捜して家を飛び出す。旅の先には大規模な農場や工場、豊かだが独裁政権が力を伸ばしつつある大都市等が現れる。監督はアレ・アヴレウ。
 クレヨンや水彩絵の具で描いたようなタッチのアニメーション。キャラクター等個々の造形は一見シンプルだが、その重なり合いや色のカラフルさが素晴らしい。また、ナナ・ヴァスコンセロらによる音楽が大きな要素になっている。少年が父親から教わった笛のメロディが、様々なバージョンで繰り返される。どこか懐かしく、祝祭感がある音楽は、独裁政権下の楽団が奏でる重苦しいリズムとは対称的だ。
 ブラジル(本作はブラジル映画)社会の変遷が背景にあるのだろうが、固有名詞的なものは出てこないので、むしろ神話や寓話を思わせる。少年が故郷を飛び出していく「行きて帰りし」物語であるところも、やはり神話的だ。冒頭のどんどんカメラが引いていくような映像は、この為にあったのか。
 少年が「帰る」先が、両親との思い出にまつわる場所であるということが、やたらと心に迫った。子供時代の体験って、以降の体験とはまた別の意味を持つものだと思う。マイケル・デュドク・ドゥ・ヴィッドの短編アニメーション『岸辺のふたり』を思い出した。あの痛切さに似たものが本作にもある。
 少年は世界の美しさを見ると同時に、社会の矛盾、貧富の格差や権力の暴走といった社会の暗い面も見ていく。彼は世界、自分の人生に失望したのかもしれない。終盤の寂寥感と、本作の構造が明らかになる流れには思わず涙した。しかしそれでもなお、世界は美しいのだ。子供の頃の記憶が、彼の人生を支えていたのではないかと思える。

『チャッピー』

 2016年の南アフリカでは、テトラバール社が開発した警官ロボットの導入により、治安は格段によくなっていた。警官ロボットを開発した技術者ディオン(デブ・パテル)は、自分で学習し判断できる人工知能を独自に開発し、スクラップ予定の機体の一つにインストールしようとする。しかしロボットをギャングのニンジャ(ニンジャ)とヨーランディ(ヨーランディ)、アメリカ(ホセ・パブロ・カンティージョ)に奪われてしまう。ニンジャたちはディオンを脅してAIをインストールさせ、「チャッピー」(シャルト・コプリーがモーションキャプチャーで演じた)と名付けて強盗を手伝わせようとする。一方、ディオンをライバル視する技術社ヴィンセント(ヒュー・ジャックマン)は、チャッピーの存在を知り抹殺しようとする。監督はニール・ブロムカンプ。
 SFとしては色々と設定に齟齬がある、正直粗いというのは否めない。AIをインストールされ起動してすぐにチャッピーが見せる動作が、既に赤ん坊のようなものだというのはおかしいのではないか(インストールされたばかりだったら、そもそも「赤ん坊のような動き」自体が学習されていないんじゃないかと思う)とか、途中で作中技術レベル設定がいきなり上がりすぎ(「ヘルメット」が万能すぎる・・・)とか私も気になったくらいだから、SFに造詣の深い人にとってはもっと色々とあるのだろう。
 しかしそれでも、本作にはSFマインドを感じる。ブロムカンプ監督の『第9地区』もそうだったが、今と地続きのちょっと先の未来、という感触がしっかりしているように思うのだ。ずっと先、ではなくてほんのちょっと先、な感じのとらえ方がいい。また何よりも、どこまでが人間なのか、という肉体を巡る定番の問いをど直球で扱っていて楽しかった。最後の展開も、そっちか!という感じ。『第9地区』のラストを考えると、ブロムカンプの中ではこれが正解なんだろうなぁ。
 ディオンはチャッピーを生み出して「教育」し、ニンジャとヨーランディもチャッピーを育て、特にヨーランディは愛情を注ぐ。3人がチャッピーに「こうであれ」と望む姿はまちまちだ。ディオンにとっては人間のような知性=言葉を解し芸術を解することなので、チャッピーにも絵本を見せたり絵の描き方を教えたりする。彼はチャッピーにクリエイティブであれ、と望むのだ。一方ニンジャはチャッピーを強盗の道具として使おうとする。しかし、誰にとってもチャッピーはまるっきり思い通りになるわけではなく、思惑からずれていってしまう。意思を持つ、人間らしいとはそういうことなのだと思う。
 ところで、どこまでが人間なのか、という問いの答えとしてある姿が提示されるが、最後に作られる「あれ」にああいう顔がついているというのは、ちょっと興ざめだ。そこから解放されてこそじゃないの?

『超能力研究部の3人』

 アイドルグループ乃木坂46の秋元真夏、生田絵梨花、橋本奈々未はオーディションで選ばれ、映画に出演することになった。3人が演じるのは超能力研究部の高校生。しかし監督はアイドルの枠を出ない3人の演技に納得いかず、リテイクを繰り返す。監督は山下敦弘。
 公式サイトのプロダクションノートによれば、抽象的なセットでリハーサルと称して3人に演技させたものを撮影。その後、実際に映画を撮るというていでメイキング風映像も交えて撮影。同時に3人へのインタビュー等を撮影という方法を撮り、3人には自分たちが自分自身として出演するということは、途中まで伝えていなかったそうだ。ただ、ドキュメンタリー風の映像を見ても、スタッフも本人たちも、「言わされている」感が強くて、モキュメンタリーにしか見えない(途中からは明確にモキュメンタリーとして撮っているのだが)。もっといわゆる演技が上手くて自然体風の振る舞いとのメリハリのある出演者なら違うのかもしれないが、そういう出演者を使って本作のような形式のものを撮っても、大して面白くも挑戦的でもないだろう。それほど演技に長けた出演者ではないからこそ、作中作とモキュメンタリー風部分とのシームレス感が出るのだと思う。
 とは言え、本作が多くの観客にとって面白いかというと、微妙なところだろう。本作は主演の3人が乃木坂のメンバーであり、グループ内でどういう立ち位置でどういうキャラ設定なのかということを観客が知っている、アイドルファンであるという前提でつくられていると思う。だからこそ彼女らへのいじりが執拗なのだろうし、アイドルという制度への皮肉的な演出も入れられているのだろ。それをアイドルに興味がない、彼女らについて知識がない人が見ても、だから何?という気分になるのではないか。映画の構造そのものが、アイドルが主演する、ということに依っているので、アイドル自体に興味がないとちょっと辛いかなという気がした。

『チョコレート・ドーナツ』

 歌手を夢見るもののバーのショーダンサーとして日銭を稼ぐルディ(アラン・カミング)は、アパートの隣の部屋に住む少年マルコ(アイザック・レイバ)と知り合う。ある日マルコの母親が麻薬所持で逮捕される。このままではマルコが施設に入れられてしまうと心配したルディは、バーで知り合った弁護士のポール(ギャレット・ディラハント)に相談する。やがて3人の間には家族のような絆が生まれるが、ルディとポールがゲイであることを非難され、マルコを奪われてしまう。監督はトラビス・ファイン。
 結構あざとい要素を盛っているし、涙を絞り取られそうな雰囲気かと身構えたが、実際はむしろ素朴な味わいすらある。凝り過ぎない、やりすぎないところが良かった。音楽(挿入歌)がストーリー上大きな意味合いを持つので、歌詞の字幕を付けた配給会社ありがとう!ルディが最後にディランの『I Shall Be Released 』を歌う姿は、歌詞とあいまって心に染みた。
 物語の舞台は1979年。この当時の同性愛者に対する偏見、嫌悪感の強さは、わかっちゃいたけどやっぱりショックだった。何も人格全部や仕事の能力まで否定することないのに。でも当時はこういう感じが大多数だったんだろうなぁ。ルディは仲間内ではもちろんカミングアウトしているのだが、ポールは秘密にしている。ルディもポールの為にオフィシャルの場では「普通」を装うが、やはり不満が溜まっていく。ルディとポールは仕事にしろ性格にしろセクシャリティに対するスタンスにしろ、元々はあまり共通点がない。そんな2人が恋に落ち、さらにマルコをめぐって共闘していく。この2人の関係性の変化も面白かったし、一緒に生きていくってこういうことかなという気持ちになる。
 ポールはルディに「君は強い人だ。何も恐れない」と言う。確かにルディは偏見や中傷にも(平気ではないが)堂々と立ち向かう。しかしそれ以上に彼の「強い人」なところは、他人をまっすぐに思いやることができるところ、マルコに対してしたように、さっと手を差し伸べられるところのように思った。そのてらいのなさが、見ていてちょっとショックなくらいだった。こういうのってなかなかできないよなって。
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