3つ数えて目をつぶれ

映画と本の感想のみを綴ります。特に映画。ご連絡はhoto5now★yahoo.co.jp(お手数ですが★を@に変えてください)まで。

映画う

『海街diary』

 鎌倉の古い一軒家で、姉妹だけで暮らしている香田家の、長女・幸(綾瀬はるか)、二女・佳乃(長澤まさみ)、三女・千佳(夏帆)。ある日、15年前に家を出た父親の訃報が山形から届く。そこで出会ったのは異母妹の浅野すず(広瀬すず)だった。身よりのないすずに、幸は一緒に鎌倉で暮らそうと声を掛ける。原作は吉田秋生の同名漫画。監督・脚本は是枝裕和。
 原作を上手くアレンジしていると思う。原作よりも時間が圧縮されているからか、そういえばかなり陰影の深い、病気や死にまつわるエピソードと隣り合わせの作品だったんだなと再確認した。そこも含めての人の営みが描かれていたんだなと。
 穏やかに淡々と描かれているように見えるが、時折激しい感情が表出する。特に、幸の母親に対する姿には、こういうことってあるよなという説得力があった。妹たちは母親に会えて結構嬉しそうにしているのだが、なまじ当時の記憶があって妹たちに対する責任感もあるだけに、それを放棄したように見える母親のことは、どうしても許せないのだ。多分幸も、母親にそれを言ってどうにかなるわけではないし自分の気がすむわけではないこともわかっているのだろう。でも気持ちと折り合いがつかず、顔を会わせると険悪になる。母親を演じているのは大竹しのぶなのだが、幸が許せない存在としての説得力がすごくて唸った。これは人選が的確すぎる。本人悪気はないが何かやるごとに色々角が立つという雰囲気が抜群だった。
 姉妹の間の役割分担やちょっとした軋轢は、原作よりもよりクリティカルにひりひりと感じられた。実写だとコミカルさの記号性が薄れるからだろうか。特に千佳が姉たちの顔色を見てクッションとして立ち回る姿には、ちょっとひやりとした(私がそういう立ち回りを目にするのが好きではないということなんだけど・・・)。
 4姉妹それぞれの1年間の変遷であると同時に、すずが姉たちに心を開いていく、信頼関係を築いていく過程を追った物語でもある。すずと他の3人との関係が変わる起点みたいなものが、要所要所ですぱっと提示されていたように思う。特に、父親の葬儀でのシーンが印象深い。幸の「だめです」というきっぱりとした言葉は、すずを子供として守ろうとするものだった。だからすずは、幸たちと暮らすことを選んだのだろう。

『ヴェラの祈り』

 美しい妻ヴェラ(マリア・ボネビー)と2人の子供と暮らすアレックス(コンスタンチン・ラブロネンコ)。一家はアレックスの父親が遺した田舎の家で夏を過ごすことになった。長閑な田舎の生活を楽しむ一家だが、ヴェラがアレックス以外の男性の子供を妊娠していると告白し、夫婦の間に亀裂が入る。監督はアンドレイ・ズビャギンツェフ。原作はウィリアム・サロイヤンの小説。
 ヴェラが何を思い、何を考えているのかは、映画中盤まであまり言及されない。むしろ、アレックスの表情、行動にスポットが当たっており、アレックス主体の物語のように見える。ヴェラは作品上の「謎」として宙吊り状態のままなのではと思って見ていた。が、終盤になって、そうじゃなくて単に(アレックスが)不注意なだけか!という怒涛の過去シーンが。冷や水を浴びせられたようなはっとするものがあった。
 終盤で彼女が吐露する思いは、アレックスにも、その他の人たちにも理解されにくいものだろう。単にメンヘラ女扱いされて終わりと言うこともありうる。が、彼女にとっては生死に関わるくらいの問題だろう。そのギャップが、おそらく更に彼女を苦しめる。彼女の行動は極端にも思えるが、わかってもらえないなら、祈るくらいしかないではないか。同監督の『エレナの惑い』と合わせて見たが、エレナよりヴェラの方が生き方が難儀そう。エレナは「母」であることを選んだが、ヴェラは母親としての自分も妻としての自分も選びきれない、その役柄を装いきれなかったのではないか。それは彼女のせいではないと思うが、それだけにいたたまれない。
 物語のスケールに対して長尺すぎて、もっとコンパクトに締めてほしかった。同じシチュエーションの反復が多いが、そんなにやらなくてもなと思った。ただ、田舎の風景は大変美しく、ずっと眺めていたくなる。夏といっても小麦が色づくくらいの陽気で、黄金色の丘が連なっており絵本のよう。古びた教会や古い家々も絵になる。

『宇宙戦艦ヤマト2199 星巡る方舟』

 SFアニメ『宇宙戦艦ヤマト』を新たな解釈でリメイクし、2013年にテレビ放送された『宇宙戦艦ヤマト2199』の新作劇場版。2199年、イスカンダルから地球への帰路についた戦艦ヤマト。しかしガミラスとは別種族の機動部隊ガトランティスに追われる。戦闘を避けてワープしたところ、異空間に迷い込み、謎の惑星に不時着した。古代進(小野大輔)を含む5人のクルーが上陸するが、奇妙なホテルに迷い込んでしまう。そこで出会ったのは、ヤマトへの復讐を誓うガミラスのフォムト・バーガー少佐(諏訪部順一)だった。
 私は『宇宙戦艦ヤマト』をちゃんシリーズ通して見たことがないのだが、TVシリーズのヤマト2199はとても面白かったし、旧来のファンにも概ね納得のいくリメイクだったのではと思う。新作劇場版は、戦いを終えたヤマトが地球に帰る途中のエピソードという設定なのだが、後日談ではなく途中の話とした位置づけは正解だったのではないか。収まりがいいし、付け加えてもシリーズそのもののラストには影響がない。
 本シリーズを見ていて面白かった、というか嫌な気分にならなかった一因は、地球人だけではなくガミラスの人たちにもちゃんと個々の人格があって、それぞれ政治があって、一枚岩ではないという世界の作り方をしていたところだと思う。TVシリーズでは、一応地球とガミラスが「手打ち」状態になっているが、それに納得しない一派ももちろんいるわけだ。そして、ガミラス以外の種族もいて、必ずしも円満な関係ではないというところも。
冒頭にヤマトクルー以外の別エピソードを持ってきており、何で出してきたのかな?と思ったが、最後まで見るとなるほど(とまではいかないけど、まあそういう方向性にしたのねという了解はできる)と。「帰る」ということが一つのテーマとなっているのだ。地球人であれガミラスであれ、とにかく彼らがちゃんと「帰る」ことが大事にされていたと思う。対して「方舟」は帰る場所を失った人たちの場所だった。
 TVシリーズはTV放送でこのクオリティ!という豪華さだったので、劇場版を見てもそれほど(作画面での)感銘を受けないのはいいんだか悪いんだかという感じだが、戦艦戦はやはり大画面に映えて華やか。キャラクター作画は所々(特に後半)大画面だと若干辛いかな、という部分もあったが、気になるほどではなかった。なお、キャラクターの演技のデフォルメの仕方が妙にレトロだなと思ったところがあるのだが、あえてなのかなー。

『馬々と人間たち』

 アイスランドの海沿いの村。ダンディな独身男は未亡人とひかれあっているが、とあるハプニングできまずくなってしまう。酒好きの男はウォッカ欲しさにロシアの漁船目指して海へ飛び込んだ。乗馬クラブのオーナーは、土地を柵で仕切る農夫がどうしても許せない。人間たちと馬たちが織りなす群像劇。監督はベネディクト・エルリングソン。
 この邦題、『神々と人間たち』のパロディなのだろうが、どちらかというと「馬たちと人間たち」みたいな雰囲気。馬と人間、どちらかがどちらかより優位だったり片方に従属しているのではなくて、別箇の存在として、並列して存在している雰囲気なのだ。確かに馬は家畜なので人間に従属しているということになるのだが、そこに注がれるまなざしが、どちらかに肩入れするわけでも感情移入するわけでもなく、至ってクール。馬と人間は全く別の存在で、馬には馬の、人には人の事情がある、しかし等価だ、といったようなスタンスを感じた。
 ちょっと泥臭い民話のような、土着のユーモア的なものがある。セックスも死もシリアス一辺倒ではなく、冷静に考えると悲惨なことが起きているのに笑ってしまう。葬式で笑いたくなる衝動と同じような感覚に襲われた(葬式と言えば、本作で2回葬式が執り行われるのだが神父の説教が死因を考えるとギャグみたいだった)。人も馬も、営みが野太くしぶとい。馬は動物だから本能に従って生きているわけだが、人間も結構欲望に忠実だ。欲にかられてえらい目にあったり、最悪命を落としたりするが、それに対する反省が特になさそうなところがいい(笑)。さまざまなことがあっけらかんとしているのだ。
 何よりも、アイスランドの強烈な風景に魅力があった。海のすぐそばに山がそびえたっているような、独特の地形だ。荒地や草原がずっとひろがっているというのもいい。この風景の中だから、こういう物語になるんだろうなというような、風土に説得されるような作品だった。

『ヴィクとフロ、熊に会う』

 三大映画祭週間2014にて鑑賞。刑務所から出所したヴィク(ピエレット・ロビテーユ)は刑務所仲間だったフロ(ロマーヌ・ボーランジェ)と、人生を立て直す為に田舎の山小屋で暮らし始める。田舎の暮らしはフロには物足りないものだが、ヴィクは穏やかな日々に満足していた。しかし村人の白い目やフロの過去がつきまとい、やがて衝撃的な結末を迎える。監督はドゥニ・コテ。
 シンプルかつミニマムな構成で抑制がきいているだけに、ラストは確かに衝撃的だった。フロが過去になにをしたのかはわからないが、当たった相手が悪かった、それこそ「熊に会った」みたいなもので、運が悪いとしか言いようがない。村人たちのうっすらとした悪意も怖いのだが、それ以上に、天災のように降りかかる悪意の怖さにぞっとする。不条理劇のようだった。
 更に、ヴィクが「放棄」してしまったのが、自ら選んでのことだったのかもというところがやりきれない。彼女らが穏やかにいられる道はそれしかなかったのかと。一度はみ出してしまうと主流に戻るのは難しいと突きつけられるようで、シンプルながら、なかなか見るものの気持ちをえぐってくる作品だった。
 森の雰囲気や山小屋での暮らしは穏やかで心地よさそうに見えるだけに、そこに差し込む不安の影が色濃く見える。音楽の使い方もよかった。また、主演2人の存在感がいい。こういう人がそこにいる、という手ごたえがある。2人でカートに乗っているシーンなど、生き生きとしていて映画だ!って感じがした。


『美しい絵の崩壊』

 幼いころから親友として育ったリル(ナオミ・ワッツ)とロズ(ロビン・ライト)。お互いに10代の息子がおり、家族ぐるみで付き合いを続けていた。しかし、リルの息子イアン(セイヴィア・サミュエル)がロズに思いを寄せるようになり、ロズもそれを受け入れてしまう。それを知ったロズの息子トム(ジェームズ・フレッシュヴィル)はリルに近づく。原作はドリス・ドレッシングの小説「グランド・マザーズ」。監督はアンヌ・フォンテーヌ。
 親友同士の母親がお互いの息子と愛し合うという、ともするとスキャンダラスなストーリーだが、本作の不穏さは、年の差恋愛という部分ではない。むしろ、リルとロズの非常に密接な関係ありきで、お互いの息子を愛するのは、親友への愛の延長線上、さらには自己愛の延長線上にも見えてくる。何しろお互いの息子の第2の母的な存在だったわけだから、全くの他者を愛する、というのとはちょっと違うだろう。とにかく親密すぎるのだ。
 実際、ロズの夫は疎外感を感じて離れて行ってしまうが、そりゃあそうだよな、と納得せざるをえない。更に、もしロズとイアン、リルとトムの間に何もなかったとしても、イアンとトムの妻たちは離れていくのではと思えるのだ。見ていて常に不穏な気配がする、落ち着かないのは、不道徳云々ではなく、この他者性のなさによるものではないかと思った。
 ワッツとライトのダブル主演だが、演技派であると同時に、友達のお母さんがこんなにきれいだったらそりゃあふらっときちゃうよなー!という説得力を持つという意味でも的確なキャスティングだったと思う。息子役2人もハンサムだしなぁ。
 舞台はオーストラリアの海辺なのだが、景色がとても素晴らしい。この風景の中だからこそ成立した、土地込みで別れがたい関係だったという面もあると思う。映画そのものとしてはちょっと退屈(もうちょっとはしょってくれると・・・)なのだが。

『ヴィオレッタ』

 少女ヴィオレッタ(アナマリア・バルトロメイ)は、母親が多忙な為に祖母に育てられていた。写真家の母親のアンナ(イザベル・ユペール)は落ち目であることに焦りを感じ、ヴィオレッタをモデルにし、挑発的なポーズをとらせた作品を発表する。作品は評判になり、母の関心をひきたい一心でヴィオレッタはモデルを続けるが、アンナの要求は次第にエスカレートしていく。母親が娘のヌードを撮影しスキャンダルを巻き起こした写真集『エヴァ』の被写体であったエバ・オネスコが自身の体験を元に監督を務めた作品。ヴィオレッタ役のバルトロメイが撮影当時10歳だったことでも話題になった。
 当事者がつくっているからか、順番に一つずつ見せていこうというような作り方で、ちょっとまだるっこしさを感じてしまった。特に母娘の愛憎が噴出していく後半は、もっと追い込んでよ!って思ってしまった。丁寧といえば丁寧な作り方なんだけど。当事者の記憶に沿ったつくりということか。
 ヴィオレッタが被写体をつとめた作品も、アンナの普段のよそおいも退廃的で自身の美意識が確立されている人なんだということがわかる。しかし、一旦スタジオの外に出てしまうとその装いは大分浮いている。世間からは乖離した、ちょっとイタい人(カフェでも周囲はちょっとひきぎみだったし)扱いだったのかな。
 アンナはヴィオレッタのことを彼女なりに愛してはいるのだが、その愛は若く美しかった自分を愛するような、自己愛に近い愛で、写真も自身のポートレート代わりに思える(実際、ヴィオレッタがモデルを拒否した時には自身の少女めいたポートレートを撮る)。ヴィオレッタが自分とは違う一個の人格であるという感覚は薄いのだ。
 アンナの世界は自分の作品の周囲で完結しているのだが、ヴィオレッタは一応学校にも通っているのでそうもいかない。モデルとしてこなれていけばいくほど、 同年代の(小学校中~高学年くらいか)少女たちの中では浮いてしまう。ヴィオレッタ自身、自分をどこに置けばいいのか、そもそも自分がどうしたいのか戸 惑っているように見えた。ヴィオレッタ自身は、内面は元々そんなにとんがった少女ではなく、年齢相応に同級生と遊びたい。しかしそれはアンナにとっては「なんで平凡になりたがるの」ということなのだ。
 オネスコは少女モデルとしての体験、母親の行為を虐待と捉えているのだろう。本作を作るには葛藤も深かったと思うが、そこそこ作品と距離をおいた、わりと感情抑え目の仕上がりになっていると思う。ただ、本作で当時10歳のバルトロメイがセクシーなポーズを取り、それが趣旨でないにせよそういう側面を持ってしまうということに対しては、どう考えているのかな、自分がさせられたことと同じと捉えられてもやむない面もあるのでは、とちょっと気になった。もちろんオネスコともユペールとも深く話し合った上での演出なんだろうけど。

『WOOD JOB! 神去なあなあ日常』

 大学受験に失敗した平野勇気(染谷将太)は、パンフレットの表紙を飾る美女につられ、田舎で林業研修プログラムに参加する。携帯電話も通じない田舎の神去村で、飯田ヨキ(伊藤英明)の元、住み込みの修行をすることになるが、現場の過酷さに逃げ出したくなる。しかしこの村にパンフレットの美女・石田直紀(長澤まさみ)が住んでいると知り、かろうじて踏みとどまる。監督は矢口史靖。原作は三浦しをんの小説『神去なあなあ日常』。
 これはいい小説の映画化!何より、山を魅力的に撮っているところがいい。山に入っていくシーンが、最初も最後もばっちりで、これから物語が始まるぞ~!という気分になる。また、田舎最高!と一方的にいい面を描くのではなく、ユーモア混じりで軽くではあるが、林業のしんどさ、村社会の面倒くささにも触れているところはバランスがとれているし、林業という職業を扱う映画としては誠実だと思う。都会から「スローライフ」満喫に来た大学生たちに対する揶揄に表れているが、中途半端にエコだのスローライフだの言われても現場は迷惑です、ということだろう。また、村の中の男女関係はご近所中に筒抜けだし、そこそこの年齢で独身だったり、若夫婦に子供がいうなかったりすると肩身が狭いらしい、という事情も透けて見える。ヨキの妻が子作りに必死なのも、子供が欲しいという気持ちと同時に、周囲からのプレッシャーがきついんだろうなという感じもする。
 もっとも、そういう部分がすべて積極くさくなく、コメディのネタとしてちゃんと使われているところが本作のいいところ。勇気のアホで世間知らずだが、素直な性格も、本作のフォーマットには合っている。演じる染谷は、こういう軽い現代っ子役は珍しい気がするけど、ハマっていた。主演から脇役まで、俳優が皆とてもいい。特に伊藤英明の筋肉バカな感じ、体が資本!な感じはぴったり。自宅からばーっと走ってきてトラックに飛び乗るシーンは、こういうのが映画だよ!と喝采したくなった。脱ぎっぷりもよくて笑ってしまった。


『ウィズネイルと僕』

 1969年、ロンドン。売れない役者のウィズネイル(リチャード・E・グラント)と“僕”(ポール・マッギャン)は酒とドラッグに興じる自堕落な日々を送っていた。しかしこのままではだめだと思い、気分転換の為にウィズネイルの叔父モンティ(リチャード・グリフィス)が所有している田舎の別荘へ向かう。監督・脚本はブルース・ロビンソン。1987年の作品。
 ウィズネイルと“僕”はどうも同居しているらしいし友達と言えば友達なんだろうけど、お互いに思いやりを示すでもなし、信頼し合っているという風でもない。ウィズネイルは“僕”をだしにしてモンティから別荘を借り、酒や食料をせしめる。むしろ“僕”にとってウィズネイルは迷惑な存在でもある。実際、“僕”はウィズネイルに我慢できずつかみかかったりもする。
 しかし“僕”はウィズネイルとくっついている。自分でも何故だかわからないけど縁が切れない腐れ縁みたい。お互いが自分の一部、2人で1人の人間のような感じなのかもしれない。もっとも、“僕”の方はかろうじてオーディションを受けたり家賃を払おうとしたり、「社会」にかかわろうとしている。ウィズネイルは仕事が舞い込んでも自分には合わないと断ってしまう。多分、彼に「合う」仕事はないのだろう。ウィズネイルはずっとこのまま留まりたいのだ。最後、“僕”がウィズネイルと別れるシーンは、“僕”が自分の青年時代=ウィズネイルを過去においていくようにも見えた。
 ウィズネイルよりもさらに一歩踏み込んで世間に背を向けているのが、彼の叔父モンティだ(ゲイであることがかなりカリカチュアされているのが気になったが)。彼は優雅な隠遁生活とでもいうのか、完全に自分の世界に生き、この世に自分の居場所はないという諦念に至っている。しかしこの世に居場所がほしくないわけではないというところに哀感が漂う。この人も“僕”にとってはかなり迷惑な存在となるのだが、その背後には寂しさが見え隠れしてやるせない。


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