3つ数えて目をつぶれ

映画と本の感想のみを綴ります。特に映画。ご連絡はhoto5now★yahoo.co.jp(お手数ですが★を@に変えてください)まで。

映画題名ら行

『リチャード・ジュエル』

 1996年、オリンピック開催中のアトランタ。警備員のリチャード・ジュエル(ポール・ウォルター・ハウザー)は公園で不審なカバンを見つけるが、その中には爆弾が仕込まれていた。一躍英雄になったジュエルだが、FBIは彼を容疑者として捜査を開始。しかもメディアがそれをセンセーショナルに報道してしまい、ジュエルは国中から貶められる。弁護士ブライアント(サム・ロックウェル)とジュエルの母ボビは、ジュエルの名誉回復の為立ち上がる。監督はクリント・イーストウッド。実話を元にしたドラマだそうだ。
 ジュエルはいい人ではあるが、かなり癖のある、問題を抱えた人でもある。彼が無実だということは実際の事件の経緯から映画を見る側にはわかってはいるのだが、いや本当に無実なのか?後ろ暗いところがあるのでは?とうっかり思ってしまうような怪しさもある。その怪しさ、プロファイリングによる犯人像を過信し、FBIはひっこみがつかなくなってしまった。低所得の白人男性で銃愛好家、政治的にはかなりコンサバ(ゲイフォビア的発言がありひやりとする)、英雄願望ありという、いかにもいかにもな人間像だが、物的証拠には乏しい。そもそも早い段階で物理的に無理なのでは?という疑問は出てくるのだが、それでもジュエル容疑者路線で話が進んでしまうという所が怖い。
 ジュエルは「法の元に正義を執行する」ことへの拘りが強く、警察官への道を諦めきれずにいる。警察やFBIの捜査の仕方や法律にも詳しい(だから疑われたという面もある)。警察やFBIと自分とを一体化する傾向があり、その拘りはちょっと病的でもある。自分が容疑者として逮捕され、詐欺まがいの取り調べを受けてもなおFBIに協力的な姿勢を見せてしまうというのは不思議なのだが、大きなもの、力=権力を持つ側に自分を置く(ように思いこむ)ことで自分のプライドを守ろうとしていたのかとも思えた。とは言え、それは思い込みにすぎない。彼がそこから自由になる、本当の意味での自尊を取り戻す瞬間は小気味が良い。
 なお、女性記者が絵にかいたような悪女、ヒールとして描かれており、これはちょっと単純すぎではないかと思った。全くのフィクションならともかく(フィクションであっても今時これはないと思うが)、実在のモデルがいる場合は単純化しない方がいいのでは。本作、当時の実際の映像を随所で使っており、下手にノンフィクション感があるだけに余計にそう思った。メディアが掻き立てたイメージによって人生を損なわれた人を描いているのに、本作でまた同じことをやってしまっているのではないかと。

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『ラストレター』

 姉・未咲の葬儀を終えた裕里(松たか子)は、未咲宛に高校の同窓会の案内が届いていることを知る。姉の死を知らせに同窓会に出席したものの、未咲と勘違いされて思わず姉の振りをしてしまう。帰り道、初恋の相手で未咲の同窓生・鏡史郎(福山雅治)に声を掛けられる。監督は岩井俊二。
 鏡史郎の初恋相手は未咲で、彼は40代になるまでずっと、その思いを抱き続けている。思いをこじらせて小説家としてスランプになるくらいに。1人の人への思いをそこまで維持し続けるというのは、一途を通り越してちょっと怖い。彼目線のロマンチシズムがいきすぎて、もはや胸焼けしてきて気持ち悪い…。岩井監督の粘着性、変態性が前面に出ているように思う。少女の部屋着としてノースリーブのワンピース着せちゃうあたりも変わらぬ性癖を感じる。新海誠の大先輩って感じだ。とは言え、ストーリーテリング、全体の構造は岩井監督の方がずっと映画の手練れではあるが。
 裕里も鏡史郎も未咲との記憶に縛られ続けている。本作の中心にいるのは彼女だ。しかし、その中心は空洞であるように思った。本作で描かれる未咲は、常に誰かの記憶の中の未咲、誰かの目から見た未咲であって、彼女が実際に何を考えどういう人だったのかということはわからない。誰かが見る幻影としての彼女であって、本質はそこにない。そういう存在にされてしまうのってどうなんだろうなとちょっと物悲しさも感じた。
 裕里が同窓会から帰った後、彼女のスマホを見た夫の態度がひどくて、一気にひいてしまった。勘違いからくる嫉妬による行動なのだが、男女年齢関係なく、嫉妬してすねるのって全然可愛くないし迷惑だなと。「罰する」ってあまりに一方的。どういう意図でああいったエピソードをいれたんだろうか。まさかやきもちやいちゃって可愛いでしょ?とか思ってないよね監督?

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『ロング・ショット 僕と彼女のありえない恋』

 アメリカ国務長官シャーロット・フィールド(シャリーズ・セロン)は大統領選に出馬することを決意。スピーチの原稿をジャーナリストのフレッド(セス・ローゲン)に依頼するが、共に行動するうちに2人は恋に落ちる。しかし立場が違いすぎる2人の関係は前途多難だった。監督はジョナサン・レビン。
 男女逆転シンデレララブコメみたいな言われ方の作品だが、そこにはそれほど新鮮味は感じない。これは時代が変わりつつある(女性の方が社会的な地位が高いカップルも珍しくなりつつある)ということなんだろうし、アイディアとしてそんなに斬新というわけではないということでもあるだろう(笑)。ある事件の時にシャーロットが、世間が見るのは問題を起こした当事者の男性ではなくそのパートナーの女性だ、とぼやくところは昔から変わらずトホホ感あるが。
 新鮮だったのはむしろ、フレッドがシャーロットとの境遇の差や、自分が失職中であることをさほど卑下しないという所。フレッドが自分はシャーロットにふさわしくないのではと思うのは、それとは別の所、自分のふるまいに問題があったという所だ。シャーロットの方もフレッドを職業や所得によって見下すことはない。お互いの考え方と振る舞いを見てお互いを評価(という言い方はあんまり感じよくないけど…)する。対等なのだ。フレッドがシャーロットに協力し彼女を励ますのも、まず彼女の目指す政策に正しさを感じ、共感したからだ。冷静に考えると基本的なことなのだが、2人がスピーチ製作にしろセックスにしろ、自分はどうしたいのか、どう思っているのかちゃんと確認し落としどころを見つけて実行しているということに何だかほっとする。
 明るく希望に満ちたラブコメではあるのだが、今のアメリカは本作でシャーロットとフレッドが目指すのとは真逆の方向に進んでいる。その中で本作を見ると、そんなこと言われてもなぁ…と若干冷めてしまうのも正直なところだ。こういう状況だから本作のような「こういう方向がいいんだよ!」と言い切る作品が必要なのだとも言えるだろうが。


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『リンドグレーン』

 アストリッド(アルバ・アウグスト)は教会の土地に住む信仰に厚い家庭に育ったが、教会の教えや倫理観、保守的な土地柄に息苦しさを覚えていく。文才を見込まれ地元の新聞社で働くようになった彼女は能力を発揮し始めるが、親子ほど年の離れた社主ブロムベルイ(ヘンリク・ラファエルセン)と恋に落ち、彼の子供を身ごもる。妻子があるブロムベルイは不貞が露見し罪に問われることを恐れ、アストリッドをストックホルムの秘書専門学校へ送り出す。監督はペアニレ・フィシャー・クリステンセン。
 スウェーデンの国民的児童文学作家、アストリッド・リンドグレーンの若かりし日を描く伝記映画。日本語題名はリンドグレーンだが、正確には彼女がリンドグレーン(結婚後の夫の姓なので)になる以前の物語だ。リンドグレーンの作品には長靴下のピッピを筆頭に好奇心旺盛で元気いっぱいな女の子がしばしば登場するが、本作を見るとそれはアストリッド自身が持ち合わせていた気質らしい。保守的な田舎ではかなり自由奔放、かつ落ち着きのない気性と見なされていたのではないだろうか。両親や兄弟に愛されていても、教会が所有する土地に住み、父親が教区の中でもそこそこのポジションにいる家庭だったそうなので、娘がシングルマザーになるということに両親はかなり頭を悩ませたのでは。一方で、スモーランド地方の自然豊かな環境や家畜に囲まれた生活が、後のリンドグレーンの作品に投影されていることもわかる。
 そんな自由闊達なアストリッドが、ブロムベルイとの関係にどっぷりはまってしまい、ストックホルムで彼を待ち続けやきもきする様はどうにも歯がゆい。保守的な価値観からは逸脱したところのある人だったろうが、こういう所は、仕方のないことではあるが当時の価値観から離れられない。ただ、ある時点でブロムベルイに対する態度を変える。仕事をはじめ、子供が生まれたことで世界が広がった彼女には、ブロムベルイの不誠実さが見えてしまったということだろう。このあたりの葛藤にストーリーの大分を割いており、作家への道は本作中内では提示されないので、作家リンドグレーンの姿を期待するとちょっと肩すかしだった。
 なお、アストリッドの幼い息子役の子役が大変上手かった。拗ねる姿がすごくリアル。また、子供の咳の音が生々しくて喘息持ちとしてははらはらしてしまった。更に具合悪くなる時の、深い咳の音なのだ。




 

『ラスト・クリスマス』

 ロンドンのクリスマスショップで働くケイト(エミリア・クラーク)は歌手志望だがオーディションには落ちてばかり。ある日、風変わりな青年トム(ヘンリー・ゴールディング)と出会い惹かれていくが、彼の行動には謎が多かった。脚本はエマ・トンプソン、監督はポール・フェイグ。
 ケイトとトムのロマンティックなクリスマスラブロマンスという大枠はあるのだが、様々な要素が盛り込まれすぎており、なんだか不思議なことになっている。女優のエマ・トンプソンが脚本を手掛けているそうだが、こういう作風の人なのか…。ケイトがユーゴスラヴィアからの移民、トムがはっきりとアジア系だとわかるルックスというのもハリウッドのラブコメとしては珍しいなという印象だが、2人以外にも、ケイトの家族はもちろん、勤務先の上司サンタ(なんとミシェル・ヨー!)は華僑だし、そのボーイフレンドは東欧だかロシアだか(サンタが鼻濁音ばかりで発音できない!と言う)系らしいし、主要登場人物の多くが生粋のイングランド人というわけではない。折しもブリグジットに揺れる英国が舞台で、TVニュースを見たケイトの母がイングランドを追い出されるのではと怯えるシーンもある(と同時に「外国人が多すぎる!」と言っちゃうんだけど)。バスの中で外国人カップルが「英国では英語を話せ!」と暴言を吐かれるシーンも。異質なものに対する不寛容さが強まる世相と、そこにあらがう人たちの姿をかなり意識的に描いている。
 さらに異文化だけではなく、階層間の無関心についても言及される。ホームレスのシェルターでケイトがなりゆきでボランティアをするというエピソードがあるが、彼女の無意識の態度は「上から目線」とこっそり揶揄される。「中産階級の善意(寄付)はしょぼい」みたいなフレーズは、英国ならではの階層ギャグなのか?
 更に、ケイトが家族、特に母親とあまりうまくいっていない(明らかに2人ともカウンセリングが必要だと思うんだけど…)、母親のケイトへの拘りには祖国での戦争体験も影響していること、そしてケイトの姉にも家族に隠していることがある等、家族ドラマ要素も盛りだくさん。祖国では弁護士だった父が、英国ではタクシードライバーをしている(お金がなくて英国での弁護士資格取得のための勉強ができないまま)という設定など切ない。家族ドラマだけで映画1本作れそうだ。
 更に更に、ケイトとトムのロマンスにもどんでん返し的な展開がある。これによって映画のジャンルががらっと変わるのだ。しかし相手への思いやりという面ではより切なく、真摯なものに感じられる。本作、ラブロマンスではあるのだが、恋愛が成就すること、あるいはケイトの歌手になるという夢がかなうことよりも、依存しないで立つこと、自分に肯定感を持つこと、そして寛容であることの方が幸せへの確実な道だと説いているようだった。盛りだくさんすぎてとっちらかってはいるが、そこがとてもいい。なお題名の通り、ラスト・クリスマスをはじめジョージ・マイケルの楽曲を多用している。それも2019年の映画としてはかなり珍しいのでは。

ラスト・クリスマス
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『ロング・ウェイ・ノース 地球のてっぺん』

 19世紀ロシア。貴族の娘サーシャ(上原あかり)は北極点を目指し行方不明になった冒険家の祖父を探すため、一人北へ向かう。監督はレミ・シャイエ。
 単純化されたフォルムによる画面構成が美しい。ちょっと切り絵のような味わいがある。近年の日本のアニメーションは、背景美術を精緻に、リアルにという方向性が強いが、それとは真逆の省略による洗練、デザイン性の高さが魅力。面と色のバランスが、特に北極圏に入ってからの氷原の描写が素晴らしかった。木版画の洗練にちょっと近いものがあるように思った。とても美しいと同時に、氷、寒さの恐ろしさも伝わってくる。
 サーシャは祖父の影響で、地図や航路の座標を読みこなし、各地の天候の知識もある。しかし「貴族の子女」である彼女に両親が求めるのは、良縁をつかんで一族の基盤を盤石にすることだ。彼女個人の能力や人格はさほど問題にされないし、そこは評価されるところではない。父親が「期待していたのに」というときの「期待」とは、そういうことなのだ。
 物語はサーシャの社交界デビューから始まる。これで大人の仲間入りということだが、一人前として扱われるというよりも、結婚相手の物色が始まる、「家」の道具として扱われるようになるということでもある。彼女の人生の方向性は決められてしまうのだ。サーシャの旅は、祖父を探し彼の名誉を回復するためであると同時に、サーシャ自身の人生をつかむ為のものであもる。旅の中で個としての力をつけ彼女は成長していく。酒場の女将(自立した女性としてサーシャを導くいいポジションだった)や船乗りたちに鍛えられてどんどんたくましくなっていく姿は頼もしくりりしいが、元の生活に戻った時、その力はどうなるのだろうとも思った。彼女の力を生かせる場はあるのだろうかと。元々所属していた世界に、もはや彼女の居場所はなくなってしまうのではないか。サーシャのような人は、あの時代どうすれば力を活かせたのだろうか。彼女の人生のその先が気になった。

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『ロケットマン』

イギリス郊外の町に生まれた少年レジナルド・ドワイトは、音楽の才能に恵まれ音楽院でピアノを学び始める。やがてロックに傾倒するようになりミュージシャンを目指すことを決意、「エルトン・ジョン」(タロン・エジャトン)という芸名で音楽活動を始める。そして生涯の友となる作詞家のバーニー・トーピン(ジェイミー・ベル)と出会い、成功への道をひた走っていく。監督はデクスター・フレッチャー。
世界的ミュージシャン、エルトン・ジョンの生涯を映画化した作品で、本人も製作総指揮に参加している。とはいえ、史実や実際の時系列に忠実であることよりも、ミュージカルとしての楽しさやビジュアルのインパクト、収まりの良さを重視しているのかなという印象。エルトンのことを良く知らなくても(私も良く知らないし)面白かった。本作、エルトンがリハビリ施設で語りだすシーンから始まる。あくまで一人称の、彼にとっての、彼が見せたいストーリーなんだよというアピールだと思う。
子供時代のエルトンは、父親に褒められたくて色々と関心をひこうとする。しかし父親は彼に冷淡で家にもいつかない。母親は父親ほどではないし気まぐれに彼を可愛がるが、やはりあまり関心はなさそう。彼に保護者としての愛情を注ぐのは祖母のみだ。やがて青年になったエルトンはバーニーと運命的な出会いを果たす。2人は意気投合し強い絆で結ばれる。名曲『Your Song』が生まれるエピソードは、本作のクライマックスの一つだ。とても美しいのだが、2人の関係のピークがもうきてしまったかという切なさもある。エルトンとバーニーの間には愛がある。が、ゲイであるエルトンの愛と、ヘテロであるバーニーの愛は意味合いが違う。更にエルトンはマネージャーのジョン・リード(リチャード・マッデン)と恋におちるが、リードはビジネス第一だった。
 エルトンを愛する人たちはいるが、彼と同じような意味合いの愛、同じような熱量の愛は手に入らない。バーニーはエルトンの音楽の最大の理解者であり、彼都の友愛があったからこそ名曲の数々が生まれたわけだが、彼はエルトンの元に留まってはくれない。要所要所で立ち去るシーンが挿入される。エルトンは悲しんだり怒ったりするが、最終的にはそれを受け入れる。本作、音楽はとても楽しいのだが、この孤独の解消されなさ、愛を得られない様はなかなか辛い。孤独である自分を受け入れ、それでも生き延び音楽を続けるという話なのだ。題名にもなった『ロケットマン』の歌詞がこれまた辛い。実際のエルトンがパートナーを得て元気に生きている(エンドロール前に紹介される)からなんとなく安心するけど、そうでなかったらかなり救いのない話なのでは。
 エルトンと父親の関係に問題があるのは非常にわかりやすい(再婚相手との子供に対する態度の違いがこれまた辛い)。とはいえ、母親も大分問題がある。エルトンが自分はゲイだと告白した後の言葉には、そりゃあ心が折れるよなと。それを言っちゃあお終いよという言葉が世の中にはあるが、さらっと言ってしまうのだ。
 一方、バーニーは一貫してエルトンへの友愛を持ち続けるいい人として描かれているが、折々のしんどい局面で流れる、しかもそのシチュエーションにものすごくハマる曲の歌詞、これ全部バーニーがエルトンが歌うこと前提で書いた(当然エルトンの自分に対する思いもわかったうえで)わけだ。エルトンもそれを要求したわけで、お互いそこまで要求できるというのはなかなか怖い関係性だと思う。ずっと喧嘩はしなかったというけど、本当かな・・・。

『嵐電』

 鎌倉から京都・嵐山にやってきたノンフィクション作家の平岡衛星(井浦新)は、京福電鉄嵐山線、通称嵐電にまつわる不思議な話を収集している。修学旅行生の南天(窪瀬環)は、嵐電を撮影していた少年・子午線(石田健太)に一目ぼれする。地元の食堂で働く小倉嘉子(大西礼芳)は、東京から来た俳優・吉岡譜雨(金井浩人)の方言指導を頼まれる。監督は鈴木卓爾。
 路面電車である嵐電はやはり絵になる。日常の交通手段としても、異界へ繋がるものとしても、大切な人を連れ去ってしまうものとしての嵐電の存在感が作品の核にある。舞台装置の選び方でほぼ勝っているのでは。そのくらい雰囲気がいい。
 3組の男女が登場するが、どの関係もどこかおぼつかない。妻を見失っている平岡、一方通行の思いをぶつける南天と戸惑う子午線、そしてほのかな思いを寄せあうが先が見えない小倉と吉岡。狐と狸が乗った嵐電に乗った2人は二度と会えないという都市伝説が作中出てくるが、狐と狸に出会わなくても彼らはもう会うことはないのではというあやふやさがある。強い思いはあったとしても、自分は相手の何を見ていたのか、相手は自分の何を見ていたのかがわからなくなっていく。
 この世とあの世、異界を繋ぐやり方、ファンタジーの取り入れ方(というかこの世と同じ地平で推移している感じ)が鈴木監督は上手い。音楽にも味わいがあった。歌が異界への入り口のようで、一気にファンタジックになる。あがた森男の主題歌も乾いているが哀愁漂う。

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『レプリカズ』

 人間の意識をコンピューターで作られた疑似脳に移し替える技術を研究している、神経科学者のウィリアム・フォスター(キアヌ・リーブス)は、交通事故で妻と3人の子供を亡くしてしまう。家族を諦められないウィリアムは、禁忌を破って家族のクローンを作り、そこに保存した意識のデータを移植しようとする。移植は成功したが、研究所は彼らに目をつけていた。監督はジェフリー・ナックマノフ。
 キアヌ・リーブスのいいところは、一応大スターなのにすっとこどっこいな映画にもいまだに平気で主演するところだと思う。本作のすっとこどっこい加減もなかなかのものだ。人格・記憶のコピーやクローンの生成などSFネタとしては手あかが付きまくっているから、見せ方には大分工夫がいると思うのだが、本作のそれはむしろ一昔前のものに見える。新作なのにやたらと懐かしい。これはもしや90年代なのでは?というくらい。記憶移植用のアンドロイドや人工脳のデザインのダサさ、今なぜこれを選んだ・・・と突っ込みたくなった。今、「機械の身体」を考えるのなら、もうちょっと違う方向性になるんじゃないかと思うんだけど・・・。
 序盤の展開がやたらとバタバタしているし、ストーリーは大雑把で、細部に目配りがされているとは言い難い。脳コピーのマッピングもクローンの生成も、そんなに手順でそんな短時間の作業で大丈夫なのかというくらいのざっくり感。ただ、全然面白くないのかというと、そうでもない。家族を亡くしたウィリアムは、先のことはろくに考えずに遺体の脳をコピーしクローン作りに踏み切ってしまう。計画らしい計画たてずにそんなことやります?!と突っ込みたくなるし、妻子が「不在」の間のアリバイ作りにあたふたする、ついでにSNS上で娘のボーイフレンドを娘になりすましてブロックする姿など、妙なおかしみがある。いざクローン作りに踏み切ってから我に返って協力者に責任を押し付けようとするあたりは結構ひどいのだが、そのひどさや考えの浅さに逆に説得力を感じてしまった。切羽詰まった人間の行動ってこういうものかもしれないなと。それにしても露呈するのが早すぎるしこらえ性がなさすぎるけど。粘れ!

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『レゴ(R)ムービー2』

 ブロックシティに謎の宇宙人が現れ攻撃を始めた。町は破壊され人々の心はすっかり荒んでしまう。ただしエメット(クリス・プラット/森川智之)だけは相変わらず明るく楽観的で変わらないまま。だがルーシー(エリザベス・バンクス/沢城みゆき)やバットマン(ウィル・アーネット/山寺宏一)が宇宙人にさらわれてしまう。エメットは仲間を取り戻すために宇宙を目指す。監督はマイク・ミッチェル。
 前作のラストの展開をそのまま引き継いでおり、宇宙人の襲来からの街の破壊!理不尽!というところは正に「あるある」ではないだろうか。本当にこういう感じなんだよなーと弟が幼かった頃を思い出してしまったよ・・・。絶対的な未知との遭遇かつコミュニケーション不全だ。そこがダイレクトに作品のテーマのひとつになっている。
前作のラストで明かされる構造は、ラストに明かしたからなるほどね!という鮮やかさがあったが、今回は最初からその構造が維持されているので、これ2時間持たせられるのかな?大丈夫なのかな?と少々ハラハラした。実際、2つの世界が並行して展開されることでちょっとストーリーは散漫な印象になっている。しかし意外と持ちこたえており、前述のコミュニケーションの問題もよりくっきりと浮かび上がったように思う。
 前作では全てが最高!それぞれが最高!とブチ上げられた。しかし今回は、全てが最高といつまでも言えるわけではないというモードにいきなり突入する。更に、エメットは大人になれ、現実を見ろと強いられていく。いきなり前作から方向転換してくるのだ。しかし、今最高でなくても最高を目指し続けることはできる、そしてクールでタフなリアリストになることと、大人になることとは必ずしもイコールではないのだ。どんな最高を目指すかも、どんな大人になるかも自分で決めていい。本作、そこそこ年齢いった大人でないとわからないであろう小ネタ映画ネタ満載なのだが、このテーマに関しては子供が見るべき映画なんだろうな。
 なお、前作に引き続き吹替え版で見たが、ミュージカルシーン含め結構よかった。声優陣の安定感は抜群だった。字幕では拾いきれなさそうなギャグがある(モブの会話がギャグになっていたりするので)。私は基本字幕派だが、コメディに関しては字幕だと温度差が出ちゃって笑いきれなかったりするので、吹替えを上手にやってくれるのがベスト。

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